Живопись первой половины 19 века. Русская живопись первой половины XIX века

Кризис крепостничества тормозит развитие капиталистического строя. В светских кругах зарождаются вольнолюбивые идеи, идёт Отечественная война 1812 г., а также русские войска участвуют в освобождении европейских государств от Наполеона, восстание декабристов в 1825 г. против царизма, всё это оказывает влияние на живопись.

Чем же отличается живопись в эпоху гения А.С. Пушкина?

Наверное, воплощением светлых и гуманных идеалов свободолюбивого народа…

Наряду с классицизмом получает развитие романтическое течение, формируется реализм.

Романтическое направление русской живописи стало началом развития в последующие десятилетия – реализма. Так идёт сближение русских художников , романтиков с реальной жизнью, что явилось сущностью движения художников этого времени. Широкое распространение выставок в это же время говорит о сближении русского народа с миром искусства, люди всех классов стремятся посетить выставки. Считается, что картина К.П. Брюлова «Последний день Помпеи» послужила такому сближению. Питерский народ всех сословий стремился увидеть её.

Русская живопись становится многонациональной, картины приобретают национальные оттенки, в Академию берут учеников разных народностей. Здесь учатся уроженцы Украины, Беларуси, Прибалтики, Закавказья и Средней Азии.

В первой половине XIX века живопись представлена всеми жанрами: портрет, пейзаж, натюрморт, историческая картина.

Известные русские художники в первой половине XIX века:

Шедевры русской живописи

• Картина Брюллова К.П. "Последний день Помпеи"

• Картина Айвазовского И.К. "Девятый вал"

• Картина Бруни Ф.А. "Медный змий"

• Картина Венецианова А.Г. "Гумно"

• Картина Тропинина В.А. "Кружевница"

Путь русской художественной культуры, начинаясь с классицизма, пролегал в первой половине 19 века через романтизм к реализму. Те живописцы, которые шли проторенными путями классицизма, приобретшего в живописи к началу 19 века академический оттенок, не достигли больших высот. Правда, современники высоко ценили их искусство; исторический жанр, в котором они работали, считался в Академии самым высоким. Правда, и в исторической живописи происходили некоторые перемены. Они заключались в том, что все больший вес приобретала национальная тематика.

Один из самых известных исторических живописцев начала столетия Андрей Иванов - отец великого Александра Иванова - чаще всего посвящал свои произведения героям из древней истории России - Мстиславу Удалому или молодому киевлянину. Другой художник начала 19 века Дмитрий Иванов посвятил свою картину Марфе Посаднице, которая тогда в представлении передовых людей начала 19 века была последовательным борцом за новгородскую вольницу. Исторические персонажи во всех этих произведениях выступали как подлинные герои. Их подвиги должны были служить поводом для сопоставления истории с современностью.

И тем не менее историческая живопись в чем-то самом существенном не продвинулась вперед по сравнению с мастерами конца 18 столетия.

Классицизм как направление в русской художественной культуре приобретает теперь мощное гражданское звучание. В научной литературе этот период обыкновенно именуют высоким классицизмом.

Высокий классицизм отразился и в живописи, однако здесь было более плодотворным стремление художников сблизить искусство с жизнью. Характерным для живописцев этого времени было романтическое утверждение красоты неповторимого, индивидуального, необычного.

Одним из художников, стоявших у истоков искусства 19 века был Орест Адамович Кипренский (1782-1836) . Если на весы истории положить, с одной стороны, все картины исторических живописцев, а с другой - несколько портретов Кипренского, то последние бесспорно перевесят. Именно они говорят нам о том времени; в них душа тех лет. В них красота волнения и порыв, стремление к динамике внутренней жизни. Кипренский не удовлетворялся окружающей его действительностью; он искал в человеке возвышенное начало, изображая своих героев в лучшие минуты, передавая их способность чувствовать, их стремление жить духовной жизнью. Герои Кипренского вглядываются в мир, вверяют себя собеседнику. Не случайно эти портреты иногда сравнивают со стихотворными посланиями другу - с тем жанром лирической поэзии, который был широко распространен в предпушкинское и пушкинское время.

Кипренский открыл не только новые качества человека, но и новые возможности живописи. Каждый его портрет имеет свой особый живописный строй. Одни построены на резком контрасте света и тени. В других главным живописным средством оказывается тонкая градация близких друг другу цветов. Это многообразие проявлений творческого лица художника также принадлежи новому веку - романтической творческой концепции.

Русский романтизм на первом его этапе представляет пейзажист Сильвестр Щедрин(1791-1830) . Он начинал в то время, когда в русском пейзаже наблюдался некоторый застой: декоративный пейзаж 18 века завершал свое развитие, а наметившиеся тенденции лирического осмысления природы оказались вытесненными протокольной строгостью и сухостью видописи и классическим схематизмом. Более десяти лет художник провел в Италии, которая рисовалась тогда русским художникам и поэтам “землей обетованной”. Там он пережил расцвет творчества; там же и умер, не успев вернуться на родину. Это были лучшие годы его короткой жизни и полного исканий творчества. Щедрин писал итальянские виды. Италия с ее живописной, великолепной природой рисовалась ему как раз тем местом, где может и должен творить художник-пейзажист. Природа у Щедрина всегда возвышенная, сияющая радостными красками; она опьяняет человека, приносит ему сладостное ощущение счастья. Она словно предрасполагает к тому “dolce far niente” (“прекрасному ничегонеделанью”), которое в глазах русских было истинной основой итальянской жизни. Путь к такому пониманию природы был открыт художнику новыми романтическими представлениями о взаимоотношениях человека и окружающей его природной среды; природа оказалась способной подавить человека своим необъятным величием или же открыть ему свою внутреннюю жизнь для совместного бытия.

В.А. Тропинин (1776-1857) демонстрировал своим творчеством постепенный, а не резкий, как у Кипренского, переход от 18 к 19 столетию. Тропинин усвоил традиции сентиментализма Боровиковского и вообще использовал наследие 18 века, что особенно заметно в ранних произведениях (“Девушка с Подола”).

Однако вскоре художник утвердил и собственный принцип трактовки человека. Его портреты 20-30-х годов, т.е. периода расцвета, свидетельствуют уже о совершенно самостоятельной образной концепции. Тропинина можно считать антиподом Кипренского. Портреты московского мастера всегда простые, “домашние”. В его героях нет особенного внутреннего волнения. Но зато они ведут себя непринужденно, спокойно. Художник с большой непосредственностью воспринимает и передает особенности модели и ту обстановку, в которой эта модель пребывает. В этих портретах есть правда характеров и правда среды. В них проявляется интерес к конкретному окружению человека, к его одежде, к точно отмеченному моменту, в котором выявляется именно данное состояние человека. Вместе с тем эти портреты отличаются высокими живописными достоинствами: мягкая моделировка объема, сопровождавшаяся тональным единством, не мешает Тропинину видеть подчас и ценность самостоятельных цветовых качеств, и красоту фактуры. Все эти особенности можно наблюдать в портретах сына (ок. 1818), Булахова (1823), Равича (1825), Зубовой (1834) и др.

Интерес художника к среде, к обстановке, в которой пребывают люди, привел его к особому типу картины, в которой портрет соединяется с жанром. В многочисленных “Кружевницах”, “Золотошвейках”, “Гитаристах”, как правило, присутствует типизированный портретный образ и вместе с тем художник воссоздает некое действие, пусть однозначное и простое. В этих работах особенно ясна связь Тропинина с сентименталистским наследием предшествующих живописцев, но тропининские образы больше тяготеют к жанру, к бытовому началу.

Тропиниские творчество во многом определило специфические московские черты живописи. Тропинин был в московской живописи центральной фигурой. Хоть он сам и не вел преподавательскую работу, учителя и ученики Московского училища ориентировались на опыт Тропинина и его традиция продолжалась вплоть до конца 19 столетия.

Истинным родоначальником бытового жанра в русской живописи стал Алексей Гаврилович Венецианов (1780-1847) . Карандашные, пастельные и масляные портреты, выполненные Венециановым в первое десятилетие века, имеют раннеромантический характер. Затем художник обращается к карикатуре и бытовой зарисовке.

На рубеже 10-20-х годов 19 века Венецианов нашел себя в бытовом жанре. Лучшие его работы были созданы в 20-е годы (“Гумно”). Сюжетами своих картин он стал брать самые обыденные явления жизни: крестьяне за чисткой свеклы, помещица, дающая своим крепостным девушкам “урок” на день, пастушок, заснувший у дерева, сцена пахоты, жатвы и сенокоса. Наконец, он создавал портреты крестьян - мальчика Захарки, немолодого мужика, девушки с васильками. Художник воспевал простых людей, не думая о противоречиях крестьянского бытия, стараясь найти прежде всего поэзию в самих основах жизни современной ему деревни.

Большое значение придавали современники исторической живописи. Широкой известностью пользовалась картина “Последний день Помпеи” (1830-1833) Карла Павловича Брюллова (1799-1852) ; ее приветствовал Гоголь, ей посвятил несколько строк Пушкин. В блеске молнии, пронзающей густые тучи, в напряженных контрастах света и тени художник представил гибель жителей древней Помпеи при извержении Везувия. Возвышенная красота человека и неизбежность его гибели находятся здесь в трагическом противоречии. Романтический характер присущ и большинству портретов Брюллова (“Автопортрет”1848).

Крупнейшим мастером исторической картины был Александр Андреевич Иванов (1806-1858) , художник, в котором по мнению Чернышевского, “глубокая жажда истины” сочеталась с “младенческой чистотой души”. Человек необычайного ума, Иванов был горячо убежден в большом историческом будущем русского народа. В своих произведениях он стремился постичь стихию народных движений в истории, предвосхитив многие искания русской реалистической живописи следующих десятилетий.

В середине столетия, в эпоху Белинского и Гоголя, на первый план в изобразительном искусстве выдвигается обличение пороков общественной жизни. Русская графика - насмешливая и едкая книжная и журнальная иллюстрация - первая начинает это движение. За ней последовала живопись. Сатирическое направление в живописи ярче всего было представлено Павлом Андреевичем Федотовым (1815-1852) . Его картины, рисующие темные стороны русской действительности, положили начало искусству второй половины 19 столетия.

Русская художественная культура истоки которой начинались с классицизма приобретший мощное народное звучание, как высокий классицизм, который отражался в живописи, постепенно переходил от романтизма к реализму в русском изобразительном искусстве. Современниками того времени особенно ценилось направление живописи русских художников в котором преобладал исторический жанр с акцентом национальной тематики.

Но в тоже время в искусстве исторической живописи не ощущалось особых изменений по сравнению с мастерами второй половины 18 века и от самого начала истории русского портрета . Часто художники России посвящали свои произведения подлинным героям древней Руси, подвиги которых воодушевляли к написанию исторических полотен. Русские живописцы начала 19 века утвердили собственный принцип описания портрета , картин выработав свои направления в живописи, в изображении человека,природы, свидетельствующий о совершенно самостоятельной образной концепции.

Русские художники в своих картинах отражали различные идеалы национального подъема, постепенно отказываясь от строгих принципов классицизма, навязанных академическими устоями. 19 век ознаменован высоким расцветом русской живописи, в котором художники России оставили для потомков неизгладимый след в истории отечественного изобразительного искусства, проникнутое духом всестороннего отражения жизни народа.

Крупнейшие исследователи русской живописи в целом, отмечают выдающуюся роль в высоком расцвете творчества великих русских художников и изобразительного искусства 19 века. Достижения и завоевания живописи 19 века, в котором себя проявили отечественные художники имеют огромное значение и уникальную ценность в изобразительном искусстве, живописные произведения созданные русскими художниками на всегда обогатили русскую культуру.

Знаменитые художники 19 века

(1782-1836) Великолепно и тонко прописанные портреты художника Кипренского принесли ему славу и истинное признание среди современников. Его работы Автопортрет, А. Р. Томилова, И. В. Кусова, А. И. Корсакова 1808 г. Портрет мальчика Челищева , Голицина А. М. 1809 г. Портрет Дениса Давыдова, 1819 г. Девочка с венком из мака, самый удачный 1827 г. портрет А. С. Пушкина и др.

В его портретах отражается красота волнения, утонченный внутренний мир образов и состояния души. Современники сравнивали его работы с жанрами лирической поэзии, стихотворным посвящением друзьям, что было хорошо распространено в Пушкинское время.

Кипренский во многом раскрыл для себя новые возможности в живописи. Каждый его портрет отличается все новым живописным строем, грамотно подобранными светом и тенью, разнообразным контрастом. Орест Кипренский выдающийся мастер портретного искусства, получивший особую известность среди художников России.

(1791-1830) Мастер русского пейзажного романтизма и лирического осмысления природы. На более сорока его картинах Щедрин изобразил виды Соренто. Среди них заметны картины Окрестности Сорренто. Вечер , Новый Рим "Замок святого ангела", Набережная Мерджеллина в Неаполе, Большая гавань на острове Капри и др.

Полностью отдавшись романтике пейзажа и природной среде восприятия, Щедрин как бы восполняет своими картинами, упавший интерес художников того времени к пейзажу.

Щедрин познал рассвет своего творчества и признания. Закончив Академию художеств в Санкт Петербурге, в 1818 г. приехал в Италию и прожил более 10 лет, в Риме, Неаполе, Амальфи и в Соренто где провел свои последние месяцы жизни. Прожив недолгую но насыщенную творчеством жизнь, Щедрин так и не смог вернуться в Россию.

(1776-1857) Замечательный русский художник, выходец из крепостных крестьян. Его знаменитые работы картины: Кружевница , также Портрет Пушкина А. С. , гравера Е.О. Скотникова, Старик - нищий, отличающаяся легким колоритом Портрет сына художника. 1826 г. картины Пряха, Золотошвейка, данные работы особо привлекли внимание современников. 1846 г.

Тропинин разработал свой самостоятельный образный стиль портрета, характеризующий специфический московский жанр живописи. В то время Тропинин стал центральной фигурой московского бомонда, его творчество особо отражено в 20-е 30-е годы, что принесло ему знаменитость.

Его мягко прописанные портреты отличаются высокими живописными достоинствами и простотой восприятия, человеческие образы воспринимаются характерной правдивостью и спокойствием без особого внутреннего волнения.

(1780-1847) Родоначальник крестьянского бытового жанра в русской живописи, Его знаменитые портрет Жница, картина > Жнецы , Девушка в платке, На пашне Весна, Крестьянка с васильками, Захарка и другие. Особо можно подчеркнуть о картине Гумно , которая обратила на себя внимание императора Александра 1, его тронули яркие образы крестьян, правдиво переданные художником.

Художник любил простых людей находя в этом определенную лирику это отразилось в его картинах показывающие нелегкий крестьянский быт. самые лучшие его работы были созданы в 20-е годы. Венецианов мастер пастельных, карандашных и масляных портретов, карикатур.

По стилю работ ученик Боровиковского. В его картинах присутствуют самые обыденные и простые сцены из деревенской жизни: крестьяне в повседневной и нелегкой работе, простых крепостных девушек, на жатве или мужиков на сенокосе или на пахоте. Значение творчества Венецианова в изобразительном искусстве особенно велико, один из первых утвердивший народный, крестьянский бытовой жанр.

(1799-1852) Мастер исторической живописи, егокартина Последний день Помпеи в суматохе обреченные жители разбегаются от неистовства вулкана Везувия. Картина произвела ошеломляющее впечатлении на его современников. Он мастерски пишет светские картины, Всадница и портреты применяя в яркие колористические моменты в композиции картины, Графиня Ю. П. Самойлова.

Его картины и портреты сложены из контрастов света и тени. . Под влиянием традиционного академического классицизма, Карл Брюллов наделял свои картины исторической достоверностью, романтическим духом и психологической правдой.

Брюллов был великолепным мастером парадного портрета в котором ярко акцентировал характерными признаками человека, В других портретах он применяет более сдержанный колорит, портрет выдающегося русского скульптора И.П.Витали, Поэта Н. В. Кукольника, писателя А.Н.Струговщикова. В парадных портретах он превосходил многих художников своего времени.

(1806-1858) Великолепный мастер исторического жанра. Около двух десятков лет Иванов трудился над своей главной картиной Явление Христа народу , подчеркивая свое страстное желание изобразить пришествию на землю Иисуса Христа. На начальном этапе это картины Аполлон, Гиацинт и Кипарис 1831-1833 г, Явление Христа Марии Магдалине после воскресения 1835 г.

За свою недолгую жизнь Иванов создал множество живописных работ, для каждой картины пишет множество этюдов пейзажей, портретов. Вернулся на родину в 1858 году, где скончался от болезни.

Иванов необычайного ума человек, всегда стремился показать в своих произведениях стихию народных движений в русской истории и глубоко верил в великое будущее матушки России. Опередив свое время в исканиях русской реалистической живописи, творчество великого художника оставило неизгладимый след своего мастерства для потомков.

(1815-1852) Мастер сатирического направления в живописи, положившийначало критического реализма в бытовом жанре. Свежий кавалер 1847 и Разборчивая невеста 1847 г.,

В русской культуре первой половины XIX века романтизм имеет свою специфику. Вера в просветительские идеалы разума, прогресса, элементарных прав личности - все это было еще актуальным в русской общественной жизни первой половины столетия.
Глубокое поэтическое воплощение получил образ человека в творчестве крупнейшего русского портретиста 1 трети 19 в.
Орест Адамович Кипренский. (1782-1836).
Крупнейший мастер романтического портрета.
Когда смотришь на портреты Кипренского, то кажется, что видишь свободных людей. Никому из его современников не удалось так выразить это ощущение нового человека.
К числу наиболее значительных работ Кипренского принадлежат портреты военных - участников антинаполеоновских кампаний начала столетия.

1809. ГРМ

Портрет А.А. Челищева. 1808 - начало 1809 гг. ГТГ. относится к раннему периоду творчества О.А. Кипренского.
Эпоха романтизма создает совершенно особое отношение к понятию детства. Если портретисты XVIII века обычно изображали ребенка как маленького взрослого, то романтики видели в нем особый неповторимый мир личности, которая еще оставалась чистой и не затронутой пороками взрослых.

Портрет графини Екатерины Петровны Ростопчиной. 1809. ГТГ.
Особенным обаянием отличаются некоторые из созданных им женских образов.
Не имеет себе равных во всей мировой живописи XIX века, по силе выражения душевной красоты словно предвосхищающий образ пушкинской Татьяны.

Живя в Петербурге, Кипренский сблизился с наиболее выдающимися людьми своего века.
Романтические тенденции в творчестве Кипренского нашли свое воплощение в портрете известного русского поэта В.А. Жуковского.

Портрет Е.С. Авдулиной. 1822-1823.
- одно из лучших произведений позднего Кипренского.
предстает перед зрителем человеком большой душевной тонкости и благородства, обладающим глубоко затаенным внутренним миром.

В портрете Пушкина художник точно передает особенности внешности поэта, однако последовательно отказывается от всего обыденного. Понимая исключительность задачи, - запечатлеть облик великого поэта, - О.А. Кипренский гармонически соединил дух романтической свободы и пафос высокой классики.
Творческое горение.
«Себя, как в зеркале я вижу, но это зеркало мне льстит ».

О. А. Кипренский. "Автопортрет". 1828 г.

Тропинин, Василий Андреевич (1776-1857) - российский художник, академик, мастер портретной живописи. По происхождению - крепостной крестьянин. Закончить Академию Тропинину не удалось. Граф Морков в 1804 году прервал его учебу, вызвав в свое украинское поместье Кукавку. Молодому художнику предстояло быть домашним живописцем и одновременно выполнять обязанности дворового человека. С 1821 года постоянно жил в Москве, где обрел признание и славу.
Широкой известностью пользуются созданные Тропининым образы людей из народа.

«В живописной одаренности у Тропинина было мало соперников. В 1818 году, когда он был еще крепостным и жил при своем барине в имении Кукавка на Украине, он написал „Портрет сына“ - удивительный по живописному очарованию и свободной манере письма. Этот портрет светловолосого, загорелого мальчика светится, живет и дышит. После того Тропинин работал еще сорок лет, увековечил великое множество людей, выработал более или менее устойчивые приемы портретирования, усовершенствовался в технике, но портрет сына остался непревзойденным, за исключением, быть может, портрета Пушкина, написанного в один год с Кипренским и ему не уступающего» (Дмитриева Н.А. Краткая история искусств. Вып. III: Страны Западной Европы XIX века; Россия XIX века. - М.: Искусство, 1992. С. 198-200.).

Лучший в кругу тропининской портретописи 1820-х годов
Чуть приподнятая верхняя губа придают лицу поэта оттенок сдержанного оживления.
Лиловато-коричневый халат драпируется широкими, свободными складками; ворот рубашки широко распахнут, синий галстук повязан подчеркнуто небрежно.
В колорите свежесть непосредственного наблюдения. Убедительно переданы рефлексы от белого воротничка рубашки, высветляющие подбородок и обнаженную шею портретируемого.

Будучи уже известным художником, Тропинин создал тип домашнего, интимного портрета с элементами жанровой живописи. Как правило, это поясное изображение человека за привычным занятием.
Миловидная лукавая девушка полна грации, понимаемой современниками как особая «приятность», как то, что «покоряет сердце», но «невозможно понять умом».
В год написания картины Василий Андреевич Тропинин, крепостной художник графа Моркова, получил вольную. Ему было 47 лет. В том же году он выставил в Академии художеств свою «Кружевницу», которая сразу же завоевала популярность, не покидающую ее до сих пор.

Венецианов Алексей Гаврилович. 1780 – 1847. первый русский живописец, сознательно избравший бытовой жанр основой своего творчества.
Именно ему принадлежит заслуга утверждения в русском искусстве бытового жанра как самостоятельного вида живописи.
Он разработал форму многофигурной жанровой картины, в которой часто большую роль играет пейзаж или интерьер. Венецианов также первым обратил внимание на отдельные народные типы. Его живопись национальна и демократична.

В 1811 году за свой автопортрет был признан Академией художеств «назначенным».

Первой фундаментальной работой Венецианова стала картина «Гумно», которая открывала новые пути в русской живописи.

Художник создавал идеализированный поэтический образ крестьянской жизни. Работа на открытом воздухе позволила Венецианову использовать эффекты дневного освещения и усложнить палитру.

Брюллов Карл Павлович (1799-1852). Живописец, рисовальщик. Мастер исторической картины, портретист, жанрист.
Мертвенность канонов классицизма он преодолевает романтическим стремлением наполнить образ живыми чувствами.

реалистические принципы легли в основу

Искрится радость бытия, жизнерадостное и полнокровное ощущение жизни, слияния с окружающим. Солнечные лучи пронизывают листву виноградника, скользят по рукам, лицу, одежде девушки; создается атмосфера живой связи человека с природой. Лицо девушки с абсолютно правильными чертами и огромными сверкающими глазами идеально прекрасно, оно кажется почти фарфоровым (частый у Брюллова эффект). Итальянский тип внешности тогда считался совершенным, и художник с удовольствием его обыгрывает.

Комитет Общества, получив «Полдень», осторожно упрекнул художника за выбор модели, не отвечавшей классическим идеалам петербургских ценителей.

Линия эпикурейская

Трагическая линия в творчестве
Последний день Помпеи. 1830-1833. ГРМ Холст, масло. 465,5 х 651
Впервые в русской живописи классицизм соединился с романтическим восприятием мира. Необходимо отметить, что для К.П. Брюллова была важна правда исторической действительности. Он изучал письменные источники о трагедии в Помпеи (Плиния Младшего, Тацита), а также научные исследования, посвященные археологическим раскопкам.
Его герои в последний момент жизни проявляют человеческое достоинство и величие духа перед лицом слепой стихии зла.
В отличие от того, что мы наблюдаем в классицистических картинах, композиционный центр здесь отдан не главному историческому герою (которого просто нет), а погибшей матери, рядом с которой изображен еще живой ребенок, охваченный ужасом. В противопоставлении жизни и смерти раскрывается замысел полотна.

Так впервые в русскую историческую живопись вошел народ, хотя он был показан довольно идеализированно.

Портрет великой княгини Елены Павловны с дочерью Марией. 1830. ГРМ В конечном итоге Брюллов пришел к изображению великой княгини в движении. Отныне в больших портретах он будет пользоваться этим приемом, помогающим усилить выразительность образа.

Всадница. Портрет Джованины и Амацилии Пачини, воспитанниц графини Ю.П. Самойловой. 1832. ГТГ
К началу 1830-х годов К.П. Брюллов занял одно из ведущих мест в русском и всем западноевропейском искусстве. Его слава выдающегося мастера портрета была закреплена «Всадницей», написанной в Италии.
Брюлловский парадный портрет-картина отмечен новаторскими чертами. В отличие от героев парадных портретов XVIII века, где основной задачей было подчеркнуть социальное положение портретируемого и его общественные добродетели, персонажи Брюллова в первую очередь демонстрируют непосредственность, молодость, красоту.

Портрет светлейшей княгини Елизаветы Павловны Салтыковой, рожденной графини Строгоновой, жены светлейшего князя И.Д. Салтыкова. 1841. ГРМ

Портрет графини Юлии Павловны Самойловой, рожденной графини Пален, удаляющейся с бала с приемной дочерью Амацилией Паччини. 1842. ГРМ
последнее значительное произведение К.П. Брюллова и одна из лучших его работ в жанре парадного портрета-картины, отличающаяся приподнятым, романтическим настроем.
Художник представил свою героиню в маскарадном костюме королевы, на фоне пышного театрально-условного занавеса, отделяющего ее от участников бала.
подчеркивает ее господствующее положение в толпе людей, исключительность ее натуры.

Иванов Александр Андреевич (1806-1858) - живописец, рисовальщик. Мастер исторической картины, пейзажист, портретист. Творчество А.А. Иванова стоит в центре духовных исканий русской культуры XIX века.

Высочайшее достижение в русской исторической живописи связаны с творчеством А.Иванова. Сын профессора А.И.Иванова, он учился в А.х., блестяще овладев композицией и рисунком (кроме отца его педагогами были Егоров и Шебуев.

В 1824г. Иванов написал первую крупную картину масляными красками – “Приам, испрашивающий у Ахиллеса тело Гектора” (ГТГ), за которую получил малую золотую медаль. Уже в этой ранней вещи Иванов обнаруживает стремление к психологической выразительности и археологической точности. Когда картина появилась на выставке, то критика отметила внимательное отношение худ-ка к тексту Гомера и сильную экспрессию действующих лиц картины.

На выставке 1827г. появилась вторая картина Иванова – “Иосиф, толкующий сны хлебодару и виночерпию” (ГРМ), удостоенная от Общества поощрения художников большой золотой медали. Здесь экспрессия лиц и несравненная пластика фигур далеко превосходили “Приама”, свидетельствуя об исключительном даровании худ-ка и быстром его развитии. Освещенные фигуры на темном фоне производят впечатление статуй. Плавные складки античной одежды Иосифа трактованы с поразительным совершенством. Иосиф вещает ужасную учесть хлебодару, указывая ему на рельеф с изображением казни, высеченный на стене темницы. Виночерпий нетерпеливо со светлой надеждой ожидает, что скажет о нем прорицатель. Хлебодар и виночерпий похожи, как братья, тем отчетливее поэтому выступают на их лицах выражения противоположных чувств: отчаяния и надежды. Египетский рельеф, сочиненный Ивановым, показывает, что он еще тогда был знаком с египетской археологией и обладал тонким чувством стиля. Во всех своих ранних работах Иванов стремился к сильным душевным движениям, выраженным в предельно ясной форме.

Однако картина эта чуть было не повлекла за собой крушение карьеры Иванова, столь блистательно начатой. Изображение (в виде барельефа) казни на стене темницы было истолковано как дерзкий намек на расправу Николая I с декабристами. Худ-ку едва удалось избежать Сибири. И несмотря на то что Иванову была присуждена большая золотая медаль, вопрос о его командировании за границу затянулся. Общество поощрения худ-ков, имея намерение отправить Иванова в Италию для усовершенствования, решило еще раз проверить его способности, задав новую тему: “Беллерофонт отправляется в поход против Химеры” (1829, ГРМ).

Заграничная командировка все же ему была присуждена. В это время Иванов был уже автором нескольких картин, законченных огромного размера рисунков с античных статуй – “Лаокоон”, “Венера Медицейская”, “Боргезский боец” (все в ГТГ), множества рисунков с академических натурщиков. В его ранних альбомах находится также целый ряд эскизов карандашом и сепией на исторические и античные темы, среди которых мелькают немногочисленные натурные зарисовки; еще реже встречаются портреты. Ко времени, предшествующему отъезду за границу, относится небольшой автопортрет (1828, ГТГ), написанный масляными красками.

Как дань классицизму Иванов начал в Риме картину в духе Пуссена “Аполлон, Гиацинт и Кипарис, занимающиеся музыкой и пением” (1831-1834,ГТГ), используя памятники античной скульптуры. Картина осталась незаконченной. Несмотря на это, она является одним из самых совершенных произведений русского классицизма. Прекрасно сгруппированные фигуры кажутся оживленными статуями.

Древесная листва чудесно контрастирует с цветом обнаженных тел: нежным цветом тела Гиацинта, смуглым – Кипариса и словно выточенной из слоновой кости фигурой Аполлона. Картина представляет собой музыкально слаженную, гармоническую композицию. Сравнение эскизов показывает, что Иванов сознательно добивался музыкальной красоты плавных линий и пластического совершенства формы. Замечательно вдохновенное лицо Аполлона. Взяв за основу образа голову Аполлона Бельведерского, Иванов вдохнул в нее новую жизнь – жизнь чувства. Этот метод переработки античных образов стал для Иванова основным в течение всей первой половины его творчества.

Перечитывая евангелия, Иванов нашел, наконец, сюжет, до него никем из худ-ков не бравшийся: первое появление Мессии (Христа) перед народом, ожидающим исполнения своих заветных чаяний, предсказанное Иоанном Крестителем. Иванов воспринял этот сюжет как вмещающий весь смысл евангелия. По его мнению, этот сюжет мог воплотить высокие моральные идеалы всего человечества так, как понимали их современники худ-ка. Работа над эскизами картины началась осенью 1833г.

С самого начала работы худ-к мыслил сюжет скорее как исторический, нежели религиозный, устраняя все черты его мистического истолкования. Он составил план, рассчитанный на десятилетие, в соответствии с чрезвычайной сложностью замысла. Этот план испугал недоверчивых петербургских “благодетелей” Иванова продолжительностью и дороговизной. Несмотря на угрозы Общества поощрения худ-ков лишить его всех средств к существованию, Иванов не сдался. Он глубоко изучал памятники античного иск-ва и монументальной живописи итальянского Возрождения. Не имея возможности совершить путешествие в Палестину, с тем чтобы познакомиться с народными типами и пейзажами мест, связанных с евангельской легендой, Иванов искал соответствующую натуру в Италии.

В 1835г. Иванов закончил и отправил в Петербург на академическую выставку “Явление Христа Марии Магдалине после воскресения”(ГРМ); успех картины превзашел ожидания худ-ка: ему дали звание академика и еще на три года продлили срок пребывания в Италии.

В статуарности фигур этой картины (особенно Христа, напоминающего статую работы Торвальдсена), в условных драпировках и пейзаже, который служит для фигур почти нейтральным фоном, Иванов отдал последнюю дань академизму. Это полностью отвечало первоначальному замыслу картины, в которой худ-к предполагал показать свое умение изображать обнаженное человеческое тело и драпировки. Однако наряду с этим его увлекла здесь задача изобразить плачущее прекрасное женское лицо и движение фигуры. Он не решился на более радикальные перемены в картине, хотя виденные им в Италии композиции Джотто на тот же сюжет натолкнули на мысль вовсе токазаться от “казенного куска наготы”.

Сложное выражение лица Магдалины (улыбка сквозь слезы) и удачно найденное положение ног Христа (основанное на глубоком знании анатомии и сообщающее его фигуре иллюзию движения) – вот наиболее реалистические черты картины в общем ее академическом строе.

Закончив это произведение, худ-к вновь целиком отдался разработке основного замысла. Работа над “Явлением Христа народу” (1837-1857, ГТГ) заняла большую часть жизни Иванова. Сохранившиеся многочисленные материалы (эскизы, этюды, рисунки) и обширная переписка худ-ка позволяют восстановить главные этапы огромного труда. Первые эскизы относятся к 1833г., следовательно, сделаны еще до первого путешествия по Италии.

В 1837г. композиция картины была уже настолько разработана, что худ-к смог перенести ее на большой холст, а в следующем году оттушевал и прописал тердесьеной.

К1845г. “Явление Христа народу” было, в сущности, окончено, за исключением некоторых частностей (лицо раба, фигуры выходящих из воды, средняя группа).

Дальнейшая работа шла в двух направлениях – предельная конкретизация характеров действующих лиц и второе – изучение пейзажа по отдельным темам, обусловленным композицией картины (первоплановые деревья, земля, камни, вода, деревья дальних планов и горы). Возможно, что всей этой работе предшествовали поиски общего тона картины, для решения которого Иванов написал в Венеции, в непосредственной близости к великим венецианским колористам, небольшой эскиз (“Эскиз в венецианских тонах”, 1839,ГТГ), который во многом предопределил колорит картины “Явление Христа народу”.

В конце 1838г. наступил некоторый перерыв в работе. В это время Иванов познакомился с Н.В.Гоголем, прибывшим тогда в Рим. Они стали друзьями. Их дружба ознаменовалась ножиданным обращением Иванова к темам народной жизни. Под влиянием писателя Иванов создал ряд жанровых акварелей, изображающих сцены из быта простого народа. Они поэтичны, жизненны и проникнуты душевной теплотой. Сложные многофигурные композиции объединены действием света. Луна льет свой спокойный свет на группу детей и девушек, хором поющих Аве Мария (“Ave Maria”, 1839, ГРМ), теплые огоньки свечей отражаются рефлексами на лицах и одеждах. Под жгучими лучами южного солнца разыгрывается милая сценка (“Жених, выбирающий серьги для невесты”, 1838, ГТГ), Полны непринужденных движений фигуры девушек в акварели “Октябрьский праздник в Риме. У Понте Моле” (1842, ГРМ). В акварели “Октябрьский праздник в Риме. Сцена в лоджии” (1842, ГТГ) изображен шутливый танец. Быстрые движения людей, окружающих долговязаго англичанина, выражены сложным икрасивым силуэтом. Без влияния Гоголя появление этих жанровых сцен необъяснимо.

Во всех акварелях Иванова принцип психологической связи между человеческими фигурами превалирует над принципом классической архитектонической композиции. Худ-к явно стремился в них к жизненной правдивости движений фигур, их взаимоотношений.

В первых двух жанровых акварелях перед Ивановым практически вставали вопросы освещения. Особенно сложной была эта задача в акварели “Аве Мария”, в которой холодный и ровный лунный свет сочетается с теплым и трепетным светом свечей и мягким светом фонаря перед образом мадонны.

Проблема передачи солнечного света, особенно занимавшая худ-ка в конце 40-х гг., впервые была им поставлена в упомянутой акварели “Жених, выбирающий серьги для невесты”. Сравнение двух вариантов этого рисунка (ГТГ и ГРМ) показывают, что Иванов стремился использовать освещение как объединяющее начало.

К1845г. “Явление Христа народу” было, в сущности, окончено, за исключением некоторых частностей (лицо раба, фигуры выходящих из воды, средняя группа). Справа и слева в картине изображены крестившиеся в водах Иордана люди, за Иоанном – группа будущих апостолов, в центре и справа – толпы народа, взволнованного словами Иоанна. На первом плане худ-к написал раба, который готовиться одеть своего господина. Действие происходит в долине Иордана, далекие холмы покрыты деревьями. Огромное старое дерево осеняет листвой центральную группу.

Для решения задачи: изобразить человечество, ожидающее своего освобождения, Иванов считал себя в праве использовать все, что ранее было достигнуто мировым искусством. Он черпал образцы пластики в древней греческой скульптуре, изучая античные подлинники в Риме и во Флоренции, изучал живопись эпохи Возрождения: Леонардо да Винчи, фра Бартоломео, Гирландайо и более всего Рафаэля.

Очевидно, с самых первых шагов работы над композицией картины Иванов почувствовал необходимость организовать человеческие фигуры в группы, связанные между собой общностью или, наоборот, сопоставленные в обдуманных контрастах. Эти группы определились следующим образом: выходящие из воды старик и юноша, группа учеников, возглавляемая Крестителем и замыкаемая слева фигурой скептика, первоплановая группа богатого и раба и, наконец, группа – дрожащие отец и сын -- фланкирующая справа всю композицию. Кроме того, множество фигур помещено в тени, в середине картины в толпе народа, занимающей верхнюю правую часть полотна. Эти фигуры также организованы в группы.

Решающее значение имеет фигура Иоанна Крестителя. Она находится почти в центре и своей могучей силой организует всю композицию. В изображении Крестителя Иванов использовал памятники итальянской живописи и прежде всего Рафаэля, что отнюдь не лишило образ собственной выразительности. Иоанн в картине исполнен огненного темперамента; он жжет глаголом сердца людей. Потрясающим по своей силе жестом он указывает на приближающегося Мессию. Он первый увидел и узнал Мессию. Его жест определяет движение все композиционное построение картины.

Худ-к поставил своей целью достигнуть в каждом из персонажей предельно типического выражения каждого чел. характера. Это удалось ему особенно в образах Крестителя, апостолов Иоанна, Андрея, Нафанаила и раба, этюды к которым принадлежат к числу лучших. Недаром Крамской считал ивановского Крестителя “идеальным портретом”.

Характерно, что реальный портрет лежит в основе каждого персонажа, каждого типа, входящего в картину. На следующей стадии худ-к привлекает головы античных скульптур, как бы формируя их классическими чертами живой натуры.

“Явление Христа народу” сочетает в себе высокую идею освобождения человечества с монументальной формой.

К 1845г. относятся эскизы стенописи “Воскресение Христово”, предназначавшегося для строившегося К.А.Тоном храма Христа Спасителя. В этот период у Иванова возникает мысль о создании целого цикла росписей на библейские сюжеты. Эти росписи должны были покрыть стены особого общественного здания (не церкви, как всегда подчеркивал сам худ-к). Их темы и последовательность в большей мере соответствовали книге “Жизнь Иисуса”Д.Штрауса, но были основаны на глубоком и самостоятельном изучении первоисточников самим худ-ком. Иванов задумал представить здесь эволюцию верований человечества в их тесной взаимосвязи и исторической обусловленности. В цикле эскизов, воплотивших этот замысел, проблемы исторических судеб народа, взаимоотношения народа и личности, столь типичные для романтического историзма, получили наиболее глубокое решение по сравнению со всей русской исторической живописью 2/3 века. Поражает обилие и бесконечное разнообразие выполненных Ивановым акварельных эскизов на библейские сюжеты (почти все хранятся в ГТГ).

Трудно среди эскизов указать лучшие. Поэтому следует остановиться только на более характерных. Таков, например, эскиз “Три странника возвещают Аврааму о рождении Исаака”, композиция которого поражает монументальностью, слитностью человека и природы, выразительностью фигур. Не менее интересен “Сбор манны в пустыне” – массовая сцена, в которой бегущие люди захвачены радостным вихрем, или “Шествие пророков”, исполненное мощного, потрясающего ритма. Несмотря на то что замысел Иванова остался только в эскизах, эскизы эти принадлежат к величайшим достояниям иск-ва.

Замечательны его пейзажи. “Аппиева дорога”(1845, ГТГ). “Неаполитанский залив у Кастелламаре” (1846, ГТГ). Иванов решительно вступил на дорогу пленэра. В его живописи природа не через миф, как в произведениях классиков, а через реальность.

Творчество Иванова, выходя далеко за пределы романтических идеалов эпохи, являет собой самое мощное выражение реалистической направленности русского иск-ва середины XIX века.

В первые годы своего пенсионерства в Италии, в начале 1830-х годов, Иванов написал прекрасную картину «Аполлон, Кипарис и Гиацинт, занимающиеся музыкой и пением».

Гениальные эскизы росписей для задуманного им «Храма человечества» В «Библейских эскизах» Иванов стремился органически соединить евангельскую истину с исторической правдой, легендарно-мифическое с реальностью, возвышенное с обыкновенным, трагическое с бытовым.

Искусство середины (40 – 50-х гг.) 19 века – «Гоголевский» период русской культуры

Федотов, Павел Андреевич (1815-1852) - известный русский художник и рисовальщик, основоположник критического реализма в отечественной живописи.

В творчестве Федотова впервые в русском искусстве была реализована программа критического реализма. «Обличительная направленность» сказалась и в «Завтраке аристократа».

Картину «Вдовушка» Федотов исполнил в нескольких вариантах, последовательно продвигаясь к поставленной цели - показать человеческое несчастье таким, каким оно является на самом деле.

Картина «Анкор, еще анкор!» целостна по цвету - мутно-красному, и зловещему эмоциональному настрою. Полотно подлинно трагедийно: в нем на первый план выступает тоска неприглядной обыденности и бессмысленности существования.

Главное движение шло в сторону реализма, но он утверждался в борьбе с авторитетным классицизмом, представленным Академией и поэтому сумел завоевать позиции намного позже, чем в литературе. В то время, как Пушкин уже к 25 – 26 году стал «Поэтом действительности», русская живопись с трудом преодолевала косное влияние предшествующей эпохи. Первоначально новая русская живопись связала себя с романтизмом.
Орест Адамович Кипренский (1782 – 1836)
Этот художник стоял у истоков русской живописи 19 века. Его искусство отличает страсть и порыв, стремление к передаче движения внутренней жизни. Он искал в человеке возвышенное, изображал героев в лучшие минуты, передавал способность чувствовать, стремление жить духовной жизнью. Лучшая часть его творчества – портреты конца 1800-1810-ых гг. Кипренский искал в лицах людей отблески идеала. Его интересует человек, не имеющий отношения к государственной службе, живущий в сфере частных интересов, в мире чувств.
Портреты: портрет Евграфа Давыдова (1809), портрет мальчика Челищева (1808 – 1809), портрет поэта В. А. Жуковского (1816). Основные приемы живописи следующие:
резкий контраст света и тени, иногда близкая градация соседних цветов. Преимущественно красный, синий и белый составляют основной аккорд цвета. Каждое лицо Кипренского неповторимо, про такого героя можно сказать, что он единственный. Это черта романтизма.
Наиболее известный портрет кисти Кипренского был создан в 1827 году. Это портрет А. С. Пушкина, про который все близкие говорили, что он ближе других похож на оригинал.

Сильвестр Щедрин (1791 – 1830)
Пейзаж романтизма. После поездки в Италию Щедрин избавляется от академического налета и обретает свободу. 10 лет проводит он там, переживает расцвет творчества и умирает, не успев вернуться на Родину. Он пишет итальянские виды. Природа на его полотнах предстает сияющей, радостной, опьяняющей. Сверкают краски. Человек и природа составляют основу его мировоззрения. Щедрин шел тем же путем, что Констебл в Англии, что Коро во Франции. Задача – открыть внутреннюю жизнь для бытия в согласии с природой. Щедрин стал первый из русских художников работать на открытом воздухе – на пленэре. «Новый Рим»,«Берег в Сорренто с видом на остров Капри» .
Щедрин искал правду света и воздуха, их взаимодействия, овладевал законами пленэра. Он изгонял музейные «коричневые» тона. Любил холодные серебристые, серые. Под конец жизни художник вернулся к горячим краскам.«Терраса на берегу моря» .

Родоначальник бытового жанра. Алексей Гаврилович Венецианов (1780 – 1847) .
Простой служащий, землемер, в начале 19 века занялся живописью. Переехал из Москвы в Петербург, брал уроки у Боровиковского. Венецианов был близок к передовым кругам общества. Об этом говорит его офорт «Вельможа» . На рубеже 10-40-ых гг. Венецианов открыл для себя бытовой жанр, приобрел небольшое имение в Тверской губернии и занялся изображением крестьянского мира.
Перед ним встала задача изображения света, льющегося из разных источников, показ крестьян в различных положениях. Поэзию он видел в самой обыденности, в жизни деревни. В этом он близок Пушкину. На картинах Венецианова ничего особенного не происходит. Действие обычно односложно. Конфликтов художник не изображает. Человек на его полотнах изображен в окружении природы. Венецианов первый открывает красоту родной природы. Лучшие создания Венецианова «На пашне. Весна», «На жатве, Лето».

Карл Павлович Брюллов (1799 – 1852)
Ровесник Пушкина, Брюллов нередко пересекается с великим поэтом в своем творчестве. Но если Пушкин стремительно шел от романтизма к реалистической манере, к «поэзии действительности», то Брюллов смог только соединить академическое холодное мастерство с романтическим размахом, особенно в самой знаменитой своей картине. Он искал идеальное, светлое и радостное, но не шел трудными путями в искусстве. После Академии Брюллов, как это всегда и случалось с лучшими выпускниками, оказался в Италии. В картинах 20-ых годов на сюжеты античности, из итальянского ренессанса, из Библии преобладают декоративные элементы, внешний блеск. В 30-ые годы появляется трагическое восприятие жизни. В это время зреет центральный замысел Брюллова.
«Последний день Помпеи» (1830 – 1833) гг.
В 30-ые гг. Брюллов создает ряд парадных портретов. Он стал необыкновенно модным художником, заваленным заказами. Брюллов стремится запечатлеть некий возвышенный момент. Такова «Всадница»- Воспитанница графини Самойловой – Джованина.
В 40-ые гг. художник искал психологической выразительности. Замечателен «Автопортрет» 1848 г. написанный художником после тяжелой болезни. Перед нами усталый, разочарованный, утомленный жизнью человек. Этот портрет далек от холодного академизма. Он написан в свободной манере, мазок широкий, не зализанный, что говорит о будущем русского искусства.

Александр Иванов (1806 – 1858)
Это был человек исключительной силы мысли, характера, «золотая душа», умевший заботится о близких, и при этом очень строгий в домашней жизни. Он был настоящим поэтом и презирал все внешние эффекты, выгоды. Его отличала огромная, беспредельная любовь к родине, мечта о ее возвышении. Беспредельная жажда самоусовершенствования, постоянное саморазвитие, недовольство собой – все это делало его исключительно яркой личностью. Александра Иванова ценили Герцен и Огарев, Чернышевский, его другом был Н. В. Гоголь.
Иванов родился в Петербурге в семье художника. Окончил Академию и в 1830 году приехал в Италию, в Рим. Он вернется только за полтора месяца до смерти и привезет «Явление Христа народу». Задачи, которые Иванов ставил перед собой, все время усложнялись. Сначала он хотел постичь итальянскую школу и ее дух, затем связать религию и мифологию с проблемами добра и зла.
«Явление Христа Магдалине» – первый подступ к новой задаче, еще во многом академический.
«Явление Христа народу».
С 1836 по 1848 Иванов писал вторую и главную свою работу. По сути он продолжал над ней работать до самой смерти. Это полотно полно удивительных достоинств: изображение природы и людей, характеров, душевных проявлений, движения сердца, гениальна сама мысль – изобразить открывшуюся людям истину и надежду на спасение. Иванов не вводил в этюды фигуры людей, жанровые мотивы. Его пейзажи философски-историчны. На «Аппиевой дороге» представлена та дорога, на которой стояли кресты с распятыми рабами после восстания Спартака. В одной ветке, искрящейся на солнце, Иванов способен был ощутить Вселенную. После 1848 года, после революций в Европе, деньги из России перестали поступать. Умер отец. Иванов не мог теперь завершить картину так, как он этого хотел. А новые его замыслы были еще грандиознее: цикл библейских картин на стене специального здания. Эскизы становятся свободнее. Освобождаются от остатков академизма. Но, как и Микеланджелло, Баженов, Роден, Иванов не сумел воплотить все свои замыслы. Иванов не получил признания в России, но его творчество сыграло огромную роль в развитии всего русского искусства 19 века.
Павел Андреевич Федотов. (1815 – 1852)
Его расцвет и гибель пришлись на 40-ые гг. 19 века – время торжества николаевской реакции. Трагична судьба художника, заплатившего дорогую цену за то, что первый смело стал вглядываться в черты русской жизни. Он закончил московский кадетский корпус, попал в Петербурге в Гвардейский Финляндский полк, с русской армией была связана большая часть его жизни. Если бы не это знание армейской среды, он не смог бы так точно нарисовать образ своего майора в прославленной картине. В армии Федотов увлекся рисованием, карикатурой, наброском, часто рисовал своих друзей, бытовые военные сценки, выезды в летние вонные лагеря и т.д. Он учился живописи самостоятельно, стал брать уроки в Академии. Известны его замечательные рисунки «Следствие кончины Фидельки», «Муж обманутой жены», Девушка, соблазняемая офицером у постели больной матери» , Сами названия этих работ напоминают о натуральной школе в литературе, смыслом которой было непосредственное изображение самых типичных сторон русской жизни. Но Федотов не входил в круг писателей, связанных с идеологом натуральной школы – Белинским. Он шел своим путем сам. В 40-ые гг. Федотов начинает пробовать себя в масляной живописи. Он углубляется в суть жизни, все более трагичными становятся его работы.
Самые значительные полотна Федотов создал с 1846 по 1852 гг. Каждая из его картин была вехой на пути новой системы художественного осмысления действительности.
«Свежий кавалер» 1846 г . Представлена обличительная идея.

«Сватовство майора» 1848 г.
Это вершина творчества Федотова. Суть знаменитого полотна – изображение мира обмана, лжи, брака, который, конечно, предстает как заурядная сделка. Все более страшным становится мир на полотнах художника. Искажаются предметы, появляется сильная экспрессия. Исчезает сатира в картине «Вдовушка» , где на портрете умершего мужа женщины Федотов представил самого себя.
«Игроки» 1852 г . Сцена почти нереальна, фантастична. Вскоре Федотов заболел душевной болезнью и закончил свои дни в доме для умалишенных Он похоронен на кладбище Александо-Невской Лавры в Петербурге. Сам Федотов, как писал критик Стасов, наверное, удивился бы, если бы узнал, что его поиски шли в том же русле, что поиски лучших французских художников 19 века, прокладывавших пути реалистическому направлению. За смелость, с которой он всмотрелся в николаевскую действительность, он заплатил высокую цену, но его достижения, серьезность которых не сразу поняли академики, готовили почву русским художникам реалистам – передвижникам.