Виртуозный рок гитарист джо сатриани. Гитарная коллекция Joe Satriani

Без них все было бы иначе

Joe Satriani: 10 гитаристов,
сорвавших мне башню

Перевод - Дмитрий Семенов

Джо Сатриани повлиял и продолжает влиять на невероятное количество гитаристов. Но при этом и сам не стесняется рассказывать о своих кумирах.

1. Джими Хендрикс

Пожалуй, начнем с Хендрикса. Он был первым гитаристом, благодаря которому я понял, что гитара действительно может звучать как надо и что она может подвести тебя к другим вещам. Это не просто песенки о мальчиках-девочках и быстрых тачках. Все те вещи, которые были важной составляющей музыки 60-х. Он использовал гитару не только для отражения звуков мира вокруг себя, но и для некого внутреннего стремления, смущения и целой гаммы эмоций. Помню, как испытывал затруднения, пытаясь въехать в “Third Stone From The Sun”, и не потому что это было тяжко слушать, а потому что это граничило с очищением. Иногда я слушал первую часть песни, а вторую только на следующий день! Он был первым гитаристом, от которого мне снесло башню. Такой эффект он создает до сих пор…

2. Джимми Пейдж

Джимми Пейдж был современником Хендрикса, но это был музыкант совсем другого склада. Представьте себе мальчишку по имени Джо Сатриани, итало-американского происхождения, чье детство прошло в Нью-Йорке. Для него британский гитарист казался чем-то вроде экзотики. Сейчас мы об этом не думаем, оба мира тесно переплетены между собой, но для мальчишки, который рос в Лонг-Айленде, Англия казалась очень далекой и загадочной! Пейдж звучал этнически совсем непохоже на музыку, на которой я рос, если быть точнее – на блюз и ритм-н-блюз, которые почти граничили между собой. Я всегда любил гитаристов, которые отбрасывали сомнения в сторону и действовали. Это часть рок-н-ролльного духа. Каждый раз, когда мне нужно изучить песню Led Zeppelin для выступления, мне вновь бросается в глаза его взрывная техника игры и британские фолк-веяния, и я думаю: “Ничего себе, это так необычно! Кто кроме него может таким похвастаться?”

3. Джефф Бек

Бек реально выделялся среди других по ряду причин. Он совершенно иначе воспринимает музыкальную канву, он будто говорит тебе: “Я сделаю всего три штриха, и это будет звучать как музыка”. И он делает это, а ты думаешь про себя: “О, Боже! Он ведь вроде еще ничего не сыграл, но звучит это просто потрясающе!” Как он делает так, что вроде бы не вовлечен, и вдруг в нужный момент создает прекрасное и мощное музыкальное высказывание? Я сравнил его музыкальный стиль со стилем Джимми Пейджа и подумал: “Это реально круто. Эти два парня вместе росли, были друзьями, но у них совершенно разная музыка”. Удивительное открытие, когда ты молод и понимаешь, что вполне можно избрать другой путь, потому что вот два парня, создающие фантастическую музыку, но у каждого свой уникальный подход.

4. Эрик Клэптон

Хендрикс, Пейдж и Бек всегда подходили к самому краю скалы, и не боялись упасть, что всегда радовало, но Клэптон - дело другое. Он играл как человек, который умеет отлично петь. И его звук был прекрасен. Поначалу его звук сильно менялся. Это не тот звук, который у всех на слуху. Он экспериментировал. Он был частью художественного движения, который хотел поставить все с ног на голову. Он не был таким пуристом блюза, как людям нравится думать. Еще одно бросалось в глаза, что он мог поддерживать интерес в течение долгих периодов времени, не выкручивая при этом громкость на 11! Хендрикс, Пейдж и Бек всегда каким-то образом оказывались в районе 11. А Клэптон всегда был таким: “Я просто побуду здесь на 8.5”.

(Имеется в виду мем из классического фильма «Spinal Tap», где у пацанов был усилок с ручками до отметки 11, а не как обычно у всех до 10 – прим. редактора)

5. Кит Ричардс

Фигура Ричардса занимают особое место в моем сознании. В детстве Битлз и Стоунс оказали на меня самое большое влияние. Мои старшие сестры просто с ума сходили от всего британского, поэтому я слышал эту музыку из каждой комнаты в доме. Когда я стал гитаристом, я считал Кита Ричардса самым клевым парнем. Он придумывал все эти риффы и строи. То, как его соляки записывал Глен Джонс, просто отрывает тебе башку. Когда ты молод, груб и зол, тебя просто тянет к этому. Эти гитаристы становятся твоими кумирами – те, что не боятся заставить Телекастер звучать как бур. Многие первые панк-группы, с которыми я тусил в середине 70-х в Нью-Йорк-Сити, они высоко ценили Кита Ричардса. Кит был основой, хотели они это признавать или нет!

6. Уэс Монтгомери

В одно время с Китом Ричардсом на меня также повлиял Уэс Монтгомери. Это произошло потому что мои родители выросли на джазе и постоянно слушали джаз дома. И вот я рос, слушая Битлз и Стоунс, Чака Берри и Мадди Уотерса, а потом каждый день стал слушать Уэс а Монтгомери. Когда я услышал Хендрикса, я узнал, что Хендрикс тоже был фэном Уэса Монтгомери. Я увидел связь, и отчасти это успокоило меня, юного, длинноволосого подростка в мотоциклетных ботинках. Это позволило мне любить Уэса Монтгомери и сказать своим друзьям: “Знаешь, этого парня слушал сам Хендрикс! Он играет с октавами и никогда не допускает ошибок!” Мне всегда нравилось ощущение джаза и дух импровизации. Round Midnight… концертные пластинки – это безупречные, невероятные свидетельства музыкального мастерства и крутости той эпохи.

7. Рон Вуд

Будучи припанкованным гитаристом из Нью-Йорка, меня ошеломило влияние Рона Вуда на множество групп, где он играл и в итоге в Стоунс. Он умел отлично вписываться в меняющиеся подходы всех групп, где был участником, и при этом он создал звук, который люди знают как “звук Рона Вуда”. Много ли таких людей вы назовете? Он создал подход и звук, который практически превосходит всех, кого вы назовете. Назовете Холдсуорта, можно сказать “легато”, если Эдди Ван Халена – “тэппинг”, но если говорить о Роне Вуде, то и не назовешь конкретного физического действия. Тут важен весь его подход целиком. Да он и выглядит всегда отлично! Как ему удается до сих пор оставаться классным гитаристом, гитаристом, которому хочется подражать? За это нужно особую награду придумать, и она по праву достанется ему!

8. Билли Гиббонс

Хендрикс в свое время говорил, что вот за кем будущее музыки, а ведь он отлично умел чувствовать. Благодаря Билли мы все знаем, что гитарный звук и его стиль техасского блюза это нечто уникальное. Он строится на замечательных стилях других блюзовых музыкантов, но это совершенно уникальное явление. Он самый новаторский блюзовый композитор из тех, что появились в 50-60-х. И он продолжает становиться лучше день ото дня. Вот настоящее проявление его таланта. Я играл с ним несколько раз. Это очень приятный парень и очень интересная личность, но когда тебе кажется, что ты знаешь, “если я куплю эту примочку”, то смогу звучать как он, Билли придумывает что-то новенькое. Ты думаешь: “Нет! Твоя гитара звучит как гора Эверест и при этом ты играешь на самых тонких струнах. Как тебе это удается?” Это личный талант/магия вуду, если хотите.

9. Брайан Мэй

Сочинительский стиль Брайана ты узнаешь мгновенно. Его гитарный стиль известен благодаря его оборудованию, той знаменитой гитаре из каминной полки, которую они сделали с отцом. Я поиграл на ней, и к сожалению, когда я играю на той гитаре, я не похож на Брайана. Только Брайан может так звучать. Когда я был юным музыкантом, и кто-то в первый раз включил мне пластинку Queen, у меня просто отвисла челюсть. У тебя в башке ничего кроме вопросов. И при этом твое тело обожает эту музыку. Чувственный опыт просто прекрасен и это очень весело. Он один из тех гитаристов, которые умеют смешивать веселье и серьезность, и Брайан делает это мастерски. Его музыка может быть безапелляционной и катартической. Она принуждает тебя встать и пойти надрать кому-нибудь зад. Я это обожаю. Настоящий рок-н-ролл.

10. Джон МакЛафлин

Джон МакЛафлин из Mahavishnu Orchestra свел меня с ума до того, что я стал диким, помешанным на Black Sabbath подростке в джинсах в обтяжку. Мы обычно часто крутили Black Sabbath и Zeppelin в моих школьных группах, но когда кто-то впервые включил мне пластинки Mahavishnu, во мне будто что-то открылось. Джон, вся его техника – ты видел, как он играет на акустической гитаре и это очень плотная игра, он нигде не лажает – когда он взял в руки электрогитару, он заиграл почти как Джимми Пейдж! Он подошел прямо к краю приличий. Композиции типа “Birds of Fire” создали во мне теплое и неоднозначное ощущение, когда другие люди просто выбегают из комнаты. Они говорят: “Что это за неблагозвучная, нескладная музыка!?” А ты им: “Эту музыку я ждал всю свою жизнь!”

Джо Сатриани - выдающийся музыкант, внесший огромный вклад в историю гитарной музыки... Гм, согласитесь - так чаще пишут уже о почивших. Но нет, нам повезло. Мы можем, как современники, наслаждаться живыми концертами этого гения и вблизи наблюдать эволюцию его творчества. Джо Сатриани велик в совокупности своих трех проявлений: учитель, гитарист, композитор. Замечателен он и как человек. Мы постарались составить этот рассказ так, чтобы вы могли с разных сторон познакомиться с музыкантом, чье имя уже давно стало хрестоматийным.

Творческий перевод с английского: Антон Ивлев

Ничто так не поражает, как умение
Сатриани из ничего сделать великое.
Bruce Maag

САТРИАНИ - УЧИТЕЛЬ

Среди учеников Сатриани были Steve Vai, Kirk Hammet (Metallica), Larry LaLonde (Primus), David Bryson (The Counting Crows), джазмен Charlie Hunter и многие другие...

Сатриани : Учитель не должен дискриминировать ученика, а напротив вдохновлять его. Необходимо подготовить почву (научить некоторым аккордам и прочему), и, если ученик решит для себя, что он хочет и готов двигаться дальше, тогда можно и ошарашить чем-нибудь эдаким. У меня были ученики от 9 до 60 лет - юристы, уже в возрасте, но всегда важно выяснить, чего ученик хочет добиться.

Помогла ли тебе преподавательская практика впоследствии?

Преподавание музыки помогло осознать, что для ученика ты должен выкладываться, самому раскрываться. Ты должен сделать так, чтобы ваши мысли и желания слились. Ты можешь потерять ученика, если не сможешь правильно объяснить мысль. Потом, когда я стал выступать перед аудиторией, я понял, что это тоже самое. Ты потеряешь аудиторию, если не сможешь правильно донести свою мысль.

Некоторые из твоих подопечных стали весьма известными музыкантами...

Да уж (смеется), мне бы хотелось, чтобы они все добились такого же успеха, как Kirk Hammet и Steve Vai.

Сколько лет было Стиву Ваю, когда он начал заниматься у тебя?

Ему было 12. Мне 15, значит ему двенадцать. Помню, он пришел с гитарой и пачкой струн в руках. Стив был великолепен, очень одарен. Я занимался музыкой лишь на один год больше него.

Пожалуй, никто не производит такого яркого впечатления на молодежь, как ты. Откуда у тебя это чувство молодого поколения?

Не знаю! Самому странно. Я много лет преподавал, поэтому мне известно чувство, когда к тебе приходит человек со свежим умом и яростным желанием научиться играть, и, может быть, с небольшим количеством таланта. Ты обязан говорить правду и донести те знания, которые можешь дать. И нужно знать, как это передать молодому поколению. Наверное, так можно ответить. Наверное я просто привык к этому, но, когда думаешь об этом, то возникает странное ощущение, ведь я еще сам подросток, который полностью в Джимми Хендриксе и, который и сейчас хочет найти кумира в каком-то крутом гитаристе. В общем, я не знаю. Скорее, мне не приходилось размышлять на эту тему. Это просто чувство.

Гитаристы слишком часто играют в ми миноре.
Джо Сатриани

САТРИАНИ - КОМПОЗИТОР. РАБОТА НАД АЛЬБОМАМИ

"Crystal Planet"

Сатриани : Я хотел сделать альбом, который бы впитал в себя все, созданное мной ранее. Откуда-то взялась эта фраза - "кристальная планета" - и я подумал, что она может стать метафорой для альбома, как воплощение только моего мира, в котором бы я мог играть все, что только захочется. Я хотел взять с собой каждый аккорд, каждую фразу, стиль и технику в мой мир, мою кристальную планету.

Весь альбом Crystal Planet был написан только с тетрадью и метрономом. Технология записи была следующей. Во-первых, я не делал демо-записей. После того, как все композиции были записаны на бумагу, мы с Джефом и Стюартом (Jeff Campitelli - ударник, Stu Hamm - бас) отрепетировали их так, как будто это живой концерт. После этого к нам подключился продюсер Mike Fraser. Прослушав аранжировки, он кое-что добавил и внес некоторые предложения, и за тем мы отправились в студию. В студии мы играли вживую на две дорожки, на 24 дорожки или на 48 аналоговые дорожки, а также непосредственно на жесткий диск компьютера. Таким образом, мы могли импровизировать и придумывать везде, где только хотели. Работа проходила в перерыве между турами G3, поэтому временные сроки были очень сжаты, шесть недель, и это тоже весьма помогло. Мы не старались проигрывать по сто раз одно и тоже место, а творчески, "на лету", спонтанно старались почувствовать нужное настроение. Каждый из нас поддерживал друг друга и поощрял на эксперимент, поэтому музыка в альбоме отражает наши индивидуальные черты и почерк, как во время концертного выступления. Отсюда, мне кажется, и альбом получился очень живым. Главное зерно альбома Crystal planet - это три музыканта.

Этот альбом я написал и закончил за девять месяцев и старался работать совершенно по новому, не так, как я работал раньше. Я записывал альбом на инструментах, на которых сам обычно не играю, и вообще перевернул все с ног на голову... Альбом не получил никакого названия, он записывался в трех студиях одновременно. Ничего запланировано не было. Я просто шел в студию с какими-то идеями и, не исправляя ошибок, записывал первые наработки. Все было не так, как обычно: от марки пленки и размеров струн до местонахождения студии и времени работы в ней. Я как будто намеренно поставил себя врасплох во всем, начиная от сочинения до самой записи.

"Engines of Creation"

Engines Of Creation не похож ни на один мой альбом. Я вижу, что он приобрел популярность у новой для меня аудитории. С другой стороны, я бы хотел предупредить моих старых поклонников, что этот альбом может оказаться не тем, чего они от меня ждут. В альбоме нет композиций вроде Summer Song или Satch Boogie. Это то, что написано на сегодня, а сегодня у нас 2000-й год...

Engines of Creation - альбом в стиле техно. Музыку я писал не на акустической гитаре, а на клавиатуре. Когда были готовы MIDI-файлы, я отослал их своему партнеру Eric Caudieux, который обрабатывал и сводил их в программе Logic Audio Platinum.

При попытке воспроизвести электронный звук альбома для живого выступления, мы довольно много экспериментировали в студии с педалями Moogerfooger, Electro-Harmonix Micro Synths и Bass Micro Synths, также предуселителями Hafler Triple Giant, но на репетициях выяснилось, что, если увеличивать громкость, все наши навороченные цепи перестают быть стабильными, а значит непригодны для концерта. Поэтому я решил, что поступлю так, как делал всегда, как, возможно, Хендрикс бы поступил. Я сделаю альбом для студии, а на концерт возьму очень мощные усилители, пару педалей и буду делать музыку уже заново.

САТРИАНИ - ГИТАРИСТ или ИДЕИ ДЖО

"Borg Sex"

Если выбросить все электронные наложения и странные гитарные звуки, то видно, что эту песню можно играть на Dobro. Поэтому на концерте мы отказались от всех секвенсеров и синтезаторов, и вместо них Stu Hamm играет басовые партии. Кроме того, при исполнении этой композиции Эрик (второй гитарист) практически дублирует все соло-партии со мной, он играет ритм, и проигрывает все партии борга-женщины, таким образом получается диалог между двумя гитарами. В результате, композиция приобретает очень сексуальный, блюзовой оттенок, с насыщенным ритмом. Студийную запись на концерте можно очень интересно интерпретировать.

Я обнаружил, что вместо студийного оборудования на концерте удачно работает педаль Fulltone Ultimate Octave. При записи "Borg Sex" в студии Eric применяет педаль Electro-Harmonix, а на концерте он меняет ее на Fulltone. Педаль Fulltone более стабильна, она звучит одинаково всегда, а Electro-Harmonix по своему уникальна и каждый вечер может звучать по-разному. Такая непредсказуемость иногда создает проблемы.

Начало композиции "Rasperry Jam Delta-V"

Играется пальцами двумя руками. Довольно странно, но в свое оправдание я нашел приемлемый для исполнителя вариант. Необходимо правой рукой зажать ноту си на третьей струне четвертом ладу, и первой струне седьмом ладу. Левой рукой играется мелодия. В основном это hammer on и pull off на первых трех струнах в миксолидийском ладу. Открытая струна си и те ноты, которые зажаты правой рукой, используются в мелодии. Более высокие октавы достигаются за счет педали whammy.

"Surfing With The Alien"

Это блюз, как и большинство моих произведений. Структура композиции во многом исходит из 50-х, 60-х годов, но я добавил педаль, рычаг, теппинг двумя руками и получился современный гитарный стиль (1987 год). Тем не менее, во время живого исполнения мы делаем немного сиплый, блюзовый звук.

Космическое соло композиции "Up In The Sky"

Идея Up In The Sky - это превращение человека в орла и его полет. Я должен сказать, что никогда не смогу воспроизвести в точности это произведение, потому что понятия не имею, откуда взялся этот звук, но соло можно играть несколькими способами. Первоначально композиция была записана для альбома "Joe Satriani", однако результат мне не понравился, поэтому эта вещь попала уже только в бонус японского издания альбома. И звучание этого варианта, как раз, нравится мне больше всего: электронный, аналогово-электронный причудливый тон. Запись велась через усилитель Wizard 5150 и кое-где через Marshall 6100 с Boss DS-1. Потом для гитары мы наложили эффект DigiTech, результатом чего стал звук, похожий на плавающий строй гитары. С помощью педали Fulltone Ultimate Octave и раскаченных усилителей мне удавалось создавать хороший overdrive. Я ударял по струнам где-то в районе пятого лада и получался классный призвук. После записи я спросил Майка Фразера, есть ли там хоть какое-то соло или ничего кроме странного шума, но теперь я очень доволен!

"Down, Down, Down"

Более обкуренной, тормозной, ленивой композиции у меня не было...

"Ceremony"

Ceremony повествует о фантастическом видении какого-то праздника, возможно, в полночь, посреди бескрайней чарующей прерии или восхитительной долины... где-то там, где праздник Земли напрашивается сам, и где вокруг все пленительно и зачаровано.

"House Full of Bullets"

Не особо претендующая на духовные измышления блюзовая композиция. Я представил себе, как будто Martin Scorsese снимал для меня клип, и будто он поместил меня в дом с моей серебряной гитарой, и дом этот поливают очередями пуль, а я уклоняюсь от них. Камера выплывает из дома, и тогда становится видно, кто устроил весь этот погром. В основном, только критики, музыканты и комментаторы не понимают, почему я люблю делать подобные записи.

САТРИАНИ О ГИТАРИСТАХ

Steve Vai :

Безрассудный. Я знаю, что он любит видеть себя именно таковым. Я много могу о нем говорить, потому что знаю его очень хорошо. Он на моих глазах развивался и прогрессировал.

В своем мире. Эрик - сложный музыкант, прошу прощения за неоднозначное определение. На сцене с ним у несолирующих исполнителей постоянно возникает ощущение неверия в то, что они слышат. Помню репетицию G3. Были Kenny Wayne Shepherd, Steve Vai и Эрик, которого я тогда не видел уже сто лет. Мы каждый проверили свою аппаратуру, и я, как руководитель группы, кивнул головой. Эрик начал свое соло. Как только раздались первые звуки, мы с Kenny переглянулись и поняли, что наши мысли совпадают: "что за чертовщина"! Звук его гитары явно не принадлежал миру сему, он исходил из какого-то другого пространства вселенной!

Kenny Wayne Shepherd:

Блюз! Этому парню можно дать такое емкое определение. А на сцене он всегда на 100 процентов Kenny Wayne Shepherd. Кенни никогда не стыдился прославлять свои блюзовые корни. Свободный дух и выдающийся гитарист.

Robert Fripp:

Катартический. Не знаю, правильное ли это слово для описание тех ощущений, которые я испытываю к его музыке, но, когда я в последний раз слушал его альбом, через 30 минут меня охватило чувство глубокого раздумья о своей жизни. Самому-то просто так подобные мысли в голову не часто лезут.

Я много лет играл что-то из его произведений. С 70-х годов звук, тон его гитары постоянно менялся и разрастался. Что-то мне не приходит на ум еще кто-нибудь, с кем происходило подобное. Page, Clapton не выросли (по большому счету). Они остались постоянными, возможно созрели, а Бек удивителен, волшебник."

Jimmy Hendrix

Я всегда думаю о нем. Каждая песня, каждая запись его гитары звучала по-новому. Он никогда не был эгоистичным гитаристом, если вы понимаете, что я имею в виду. Он никому не навязывал свой звук. Хендрикс искусством отражал мир и то, что в нем происходит. Он мог превратить свою гитару в огромного монстра и крошечного мотылька, но наслаждение от его музыки получаешь всегда. Да, именно так. Его наследие чарует до сих пор, он оставил нам удивительную музыку, которая изменила мир.

ЭМОЦИОНАЛЬНЫЙ ДЖО

Сатриани : Оттачивание своего стиля, работа над фразировкой - постоянный, бесконечный процесс. Это техника, но только техникой ее назвать нельзя. Это чувство, над которым работать труднее всего, потому что упражнений для этого не существует. Проблема в том, что каждый день мы разные люди. Наши эмоции и опыт меняется, и на жизнь в разные эмоциональные состояния мы смотрим по-разному. Для меня это важно, потому что в музыке я отражаю свои эмоции. Если у меня это не выходит, я становлюсь скучным и перестаю играть на гитаре. При записи одного соло для нового альбома я просто сел и играл, снова и снова, не думая о постановке пальцев, а только стараясь поймать эмоции, которые у меня были во время записи.

С самого детства я обожал музыку и всегда был в ней, в ее бесконечных лабиринтах и причудливом разнообразии. Будучи пятым, самым младшим ребенком в семье, я видел, как изучали музыку мои родственники. У нас в доме всегда была музыка. В девять лет я стал серьезно заниматься на ударниках и всегда воспринимал себя музыкантом, никогда не теряя это чувство. Самое прекрасное в мире для меня всегда было играть музыку, изучать ее, забавляться ею, показывать ее людям или таить в себе. Теперь я всегда с удовольствием отправляюсь в турне или записываю альбомы с другими музыкантами.

Как ты начинал?

Все произошло очень странным образом, в большей степени случайно. Я делал какие-то домашние записи для себя, и вдруг начал играть с группами, кто-то меня надоумил, что из моих записей может что-то выйти, потому что он сам вот только что получил контракт. То есть одно за другим потянулось, потом я заключил контракт, и они запросили еще и еще, а я сам был абсолютно неопытен во всем этом. Второй записью, которую я сделал на Relativity Records стала Surfing With the Alien, и именно в этом году я впервые стал выступать - выступать перед людьми, просто пару часов играть на гитаре. Даже сейчас странно вспоминать. Хорошее было время. Кажется Michael Jackson и Motley Crue боролись тогда за первое место в списках популярности, ну а я находился где-то в за пределами поля, продолжая свое дело.

Как ты относишься к пиратским записям, которые делают фаны на концерте?

О-о, я обожаю их. Это здорово. Тут правда надо различать подобные записи от пиратских подделок студийных записей, но, если люди перепродают свой собственный материал, не думаю, что это серьезный коммерческий конфликт.

Такое впечатление, что коммерческий успех тебя мало беспокоит...

Как раз недавно ко мне обращался один писатель с просьбой об интервью для его книги. Я ответил, что хочу продавать свои записи и выступать на концертах, что позволяет мне продолжать играть на гитаре, но меня совершенно не прельщает становиться "котируемой" фигурой. Поэтому не надо заносить меня в каталоги Love Connection, Hollywood Squares или Regis & Kathy Lee. Я не хочу, чтобы люди думали, будто я сосуществую бок о бок с Cher, Richie Sambora и другими, стремящимися в этот круг шоу-бизнеса. Вряд ли мне удастся добиться успеха на подобном поприще.

Значит ли это, что тебе трудно находиться на публике, быть гитарным героем?

Не могу сказать, что это обескураживает, но это немного странно, если я смотрю на себя, как на гитарного героя. Конечно, став музыкантом, одновременно отчасти становишься актером, хотя на самом деле я немного стеснителен и сдержан. Получается, что я не люблю находиться в толпе, а в конце концов оказываюсь перед тысячной аудиторией (смеется).

Где для тебя проходит граница между музыкантом и шоу-меном?

На этот вопрос легко ответить, потому что я совсем не шоу-мен, как, например, некоторые мои друзья. Я понял это, еще когда был ребенком и слушал Хендрикса. Тогда я спросил себя: "Какой урок, Джо, ты можешь вынести из жизни этого человека"? И пришел к выводу, что он попал в ловушку шоу-бизнеса. Я сказал себе: "Что ж, если ты, Джо, собираешься быть в этом бизнесе, то постарайся никогда не терять себя". Тогда не будет никакого надрыва, искусственного перехода из отеля на сцену, от интервью к работе в студии, из домашней обстановки в обстановку концертного турне. Тогда же я увидел, что и творческий процесс может протекать легко. Не нужно писать о вещах, в которые заставляют поверить другие. Не нужно писать для этого искусственного рокера, выдуманного персонажа. Есть только ты, и всегда это ты. Такое понимание я несу в себе до сих пор, и оно помогает мне быть самим собой.

В оригинале этот материал вышел в январе 2012. Перевод - Сергей Тынку

1. 1955 Gibson Les Paul GoldTop

Когда Майк Пирс принес мне его, то я влюбился в этот леспол за его звук. Но его внешний вид я тоже люблю. Он выглядит как мой тип гитары - полностью потрепанный. Майк сказал “Думаю, он раньше принадлежал Стиву Хантеру”, что добавило ему ценности. Выглядел он соответствующе и у него был кейс с надписью “Steve Hunter”. Мы были возбуждены, потому что Стив Хантер - это часть ДНК рокенрола. Так или иначе, но я хотел эту гитару, потому что она была прекрасна.

Через год или около того я был на сцене вместе со Стивом Хантером, мы играли на бенефисе друга. А после я сказал ему: “Стив, а у меня есть тот прекрасный голдтоп, что когда-то принадлежал тебе”. И он ответил: “Не знаю откуда эта хрень пошла, но у меня его никогда не было”. Это было еще одно доказательство того, что очень часто в нашей жизни мы видим все не так, как оно есть. Мы ищем старые гитары и если кто-то скажет “Джимми Пейдж владел этим инструментом в течении года”, то твой мозг взорвется и ты начинаешь думать, что у гитары есть яйца побольше нежели на самом деле. Я должен помнить об этом каждый раз, когда Майк приносит гитары, чтобы не покупать что-либо только потому что это когда-то кому-то принадлежало, или кто-то с этой гитарой был на обложке журнала Vintage Guitar и т.д.

2. 1958 Gibson Les Paul Junior

Этот инструмент нашел для меня Пьер де Бьюпорт где-то во времена альбома Extremist. Он и ’58 TV Special подтолкнули меня к тому, что я начал думать о том, чтобы коллекционировать гитары, которые не являлись бы моими основными гитарами. У меня была своя модель Ibanez и я знал, что это инструмент, который мне нужен чтобы выразить себя. Но я начал осознавать, что для создания звучания, которое мы называем “классик рок, тебе нужны инструменты той эпохи. У меня было много Les Paul Junior, но я избавился от большинства из них, потому что они не выдерживали сравнения с этим.

3. 1958 Gibson Les Paul TV Special

Это настолько крутой игрок. Я как-то прогулялся до магазина Криса Коббса, Real Guitars в Сан-Франциско, даже не думая что-либо покупать. А там были два страта шестидесятых - 64 и 61 - ну в комиссионке. Я не мог поверить, потому что десять лет искал что-то типа них. Ну и я тогда их там купил. И тогда Крис мне сказал: “Если уж у тебя настроение покупать, то у меня здесь есть еще и мой Special”. Он его вытащил и я опять не могу поверить. У меня было несколько прекрасных таких, но они всегда бились со мной как с гитаристом. А этот был удивительным. Тут уж впору говорить о моджо! Я не мог поверить, насколько круто он звучал и насколько легко было на нем играть. Крис купил его у старого рокенрольного гитариста, который сказал, что был единственным владельцем гитары. Я получил пинок в душу и должен был купить его. Таким образом, это был весьма дорогой вечер, когда я вышел из магазина с тремя гитарными кейсами.

4. 1960 Gibson Les Paul Special

Вишневый даблкат. Я купил его в Gruhn в Нэшвилле. Я любил эту гитару до момента, когда мы делали фотосессию две недели назад. Я подумал “Как я мог не играть на ней последнее время?”. Поэтому воткнул ее в стек Сэма (Хагара) в студии, и просто ничего от нее не получил. И подумал “О, нет”, что послужило началом озабоченности в противоположную сторону. Я сказал себе “Мне надо избавиться от нее, потому что…”

5. 1958 Gibson L-5 CES

Я боролся с этой гитарой. Она из тех случаев, когда ты открываешь кейс, смотришь на нее, чувствуешь ее запах и влюбляешься. Но если я не могу понять, как играть на ней хорошую музыку, то это начинает меня беспокоить, потому что у меня есть дорогая гитара, и при этом существует 100 парней, которые могли бы играть на ней замечательные вещи. Вместо этого, она лежит у меня в шкафу. Это реально беспокоит меня. Эта гитара и вишневый Special находятся в списке, который называется “Может мне лучше продать их и найти еще один Hagstrom III или типа того?”… (смеется) Кто знает?

6. 1965 Gibson J-45

Я был в Каракасе (Венесуэла), как-то вечером ко мне перед входом в ресторан подошел парень и сказал: “Я такой ваш большой поклонник. Я был бы счастлив подарить вам эту гитару”. Ну я сказал: “Хорошо, спасибо”. Здорово, да? У нее был настраиваемый бридж и это прекрасная гитара. Я сразу полюбил ее и тут же стал сочинять на ней песни; на ней сочинена “Bitten By the Wolf” с первого альбома Chickenfoot. Думаю, “Different Devil” с нового альбома Chickenfoot тоже. Бридж был ошибкой Gibson, но сама гитара - это прекрасный пример волшебства, которое они могут создать своими акустиками. Я попросил Гари Брауэра поставить новый бридж и эта гитара звучит просто великолепно - лучшая гибсоновская акустика, что у меня была.

7. 1966 Fender XII

Майкл Пирс достал мне ее. Я ему как-то сказал, что хочу такую. У меня был Rickenbacker, а он ответил: “Много людей, которые говорят, что использовали, Rickenbacker, на самом деле играли на Fender XII”. Таким образом однажды он появился с отличным Red XII цвета Candy Apple, и с тех пор она у меня практически на каждом альбоме. Удивительно звучащая гитара. Я обнаружил, что она делает то, что не делает Rickenbacker, но при этом она не делает того, что делает Rickenbacker (смеется). Rickenbacker выдает такой тванг, как ничто другое. Воткни его в AC30, крутани ручки и это будет финальной полиролью, которая нужна будет тебе для того, чтобы придать блеска бриджу песни или припеву. Каждый раз когда мне встречаются сложные для исполнения партии, где мне надо быть сладким и без откровенного тванга, я играю на Fender. На альбоме Super Colossal есть песня “Cool New Way” - там просто гитары с гармониями, никаких аккордов, я поместил Fender в левый канал, а Rickenbacker в правый, и они так хорошо друг друга дополнили. Этот Fender подтолкнул меня к созданию Ibanez JS-1200. Я на самом деле сделал детальные фотографии Fender и сказал Ibanez, что было бы круто иметь JS такого цвета.

8.9. 1990 Ibanez JS-2 Chrome Boy & Refractor

У меня изначально было три гитары того периода, у которых были имена Chrome Boy, Refractor и Pearly. Но Pearly несколько лет назад украли, когда я был в туре. Chrome Boy был моим любимым, в то время как у Pearly по ряду причин был более легковесный саунд. Хромовое покрытие реально создает разное звучание для каждого корпуса, который вы погружаете в этот материал. К сожалению использовался настоящий хром и поэтому когда покрытие трескалось, то там образовывались острые как нож кромки трещин. Поэтому использовалось много пластика, чтобы защитить мои руки от порезов во время игры. Год от года эти гитары звучат все лучше. По началу когда парни привезли мне эти гитары, я помню подумал: “Блин, там наверное будет все звучать очень зажато или еще как-то неправильно”. Ну и я поставил их на стойку. И не знаю почему, то ли они как-то пообтерлись, то ли на них воздействовала ежевечерняя сценическая громкость, но позже они стали моими любимыми, особенно Chrome Boy.

10. 1984 Kramer Pacer

Это гитара, на которой я играл на двух первых сольных альбомах: “Not of This Earth” “Surfin’ With the Alien”. После того, как я закончил Surfin, я пошел на выставку НАММ и мы начали раздавать альбом всем вокруг. Это было, когда начало развиваться мое сотрудничество с Ibanez. Я был представлен D’Addario и DiMarzio, и через Стива Вая, парням из Ibanez. Они сказали, что хотели бы сделать мне гитару. И я ответил: “Пожалуйста, помогите мне”. Потому что Pacer постоянно разваливался на части и у него уползал строй. Это было необычно, поскольку он не был серийной моделью. Я купил его в Guitar Center и, я уверен, он был собран из разных частей. Корпус был от Pacer, гриф был от другого Pacer, железо было вперемешку золото и хром. Исходные датчики Schaller остались в прошлом, я поменял их на Seymour Duncan или DiMarzio. В этой гитаре каждые две недели что-то заменялось. В какой-то момент в прошлом, когда флойды прикручивались прямо к корпусу, дерево оказалось настолько легким, что крепежные винты вывались за две недели. Я был счастлив прекратить играть на этой гитаре (смеется)! Это было жестко! Но это прикольная часть моей истории.

11. 12. 13. 1990 Ibanez JS 3 Donnie Hunt

У меня есть три оригинальных гитары Донни Ханта. Он был художник из Бэй Эриа и умер пару лет назад. Он преподавал прикладное искусство в школе искусств Окланда, и разрисовал все, что его окружало - свое жилище, свой телефон, холодильник, обувь, куртки, что угодно. У меня были его рисунки на паре гитар, я взял его на Ibanez, и они предложили ему работу. Я думаю он раскрасил 300 экземпляров гитары, и все невероятно разные. Донни также сделал мне много необычной одежды на раннем периоде моей карьеры.

14. Ibanez Futura

Дуг Доплер подарил мне ее пару лет назад. Хороший больший кусок махогони, мне нравится эта гитара. У нее реально супер-теплый звук. Я пока не использовал ее на альбомах, но держу в голове в качестве крутой гитары для игры слайдом или чего другого.

У этой гитары есть небольшая интересная модификация - звукосниматель Sunrise, который я немного использовал на паре альбомов. Я попросил Гари заменить бридж и установить из тех двух-седельных. Мы использовали эту гитару на “Starry Night” и таком большом количестве песен, где есть акустический подклад. Я и мой сын, ZZ… это наша любимая акустика в доме.

16. 1969 Fender Stratocaster

Это Strat цвета Olympic White, с кленовым грифом, и у него все оригинальное. Он действительно прекрасен. Если снять пикгард, то можно увидеть изначальный цвет (невыцветший) - это поразительно. Я играл на нем мелодию в “Two Sides to Every Story” с моего последнего альбома. У Fender в разные годы были все виды качества по части звука звука, датчики были то слабее то сильнее, использовалось разное дерево и железо. Мне страты 60-ых ближе, нежели страты 50-ых. У меня были хорошо запудренные мозги в самом начале карьеры коллекционера, когда я думал: “У тебя должен быть 55 год и 56 или типа того”. Но после владения многими такими, и последующего избавления от них, я пришел к тому, что мои страты начинаются в 60-ых, поэтому я до сих пор в поиске отличных экземпляров от 64 до 69 года, потому что это именно то, что я слышал на записях, когда был ребенком.

17. 1964 Fender Stratocaster

У этой гитары есть “оно самое”. Знаешь, когда включаешь страт, переключаешься на нековый датчик и играешь на 12 ладу третьей струны, то ты сразу же получишь красивый трубный звук? Он не слишком тощий, но и не слишком яркий, и не мертвый. Я включил эту гитару, сыграл две ноты и понял “О, это то самое“. Страт 61, который я купил вместе с этой гитарой, не имеет этой фишки соло-гитары, но зато он лучше звучит на ритме, чем эта гитара. Поэтому я взял обе гитары. Я подумал, что для одной-двух или трех песен они будут прекрасными гитарами.

Джо Сатриани является одним из наиболее техничных и уважаемых гитаристов, у которого учились многие видные музыканты 80-х – 90-х годов. Джо родился 15 июля 1956 года в Вестбери, штат Нью-Йорк. В 14 лет, находясь под впечатлением гения Джими Хендрикса , Сатриани начал осваивать гитару, хотя изначально его интересовали барабаны. Инструмент дался ему легко, и вскоре Джо сам начал давать уроки игры. К концу 70-х, когда музыкант перебрался в Беркли (Калифорния), среди его учеников побывали такие будущие знаменитости как Стив Вай , Кирк Хэмметт ("Metallica "), Ларри ЛаЛонд ("Primus "), Дэвид Брайсон ("Counting Crows ") и спец по фьюжну Чарли Хантер. В начале 80-х Сатриани работал сессионщиком у Грега Кина, но в 1984-м решил начать сольную карьеру. Его первой работой стал мини-альбом "Joe Satriani", который музыкант записал и спродюсировал сам. Релиз остался малозамеченным, а на гитариста обратили внимание немного позже.

Произошло это в 1986 году, когда Стив Вай , успевший прославиться работой с Дэвидом Ли Ротом , упомянул в ряде публикаций имя своего учителя. Для Сатриани это было удачным моментом, и гитарист не преминул им воспользоваться, выпустив дебютный лонгплей. "Not Of This Earth" произвел заметные волнения в рок-сообществе, однако настоящий успех пришел к Джо со второй пластинкой "Surfing With The Alien".

Этот альбом, получивший золото (а позже и платину), заставил публику признать Сатриани одним из ведущих рок-гитаристов современности. Подтверждением резко возросшей популярности музыканта стало его приглашение Миком Джеггером на австралийско-японские гастроли. После EP "Dreaming #11", содержавшего как студийные, так и концертные треки, в 1989 году вышел третий полноформатник гитариста. "Flying In A Blue Dream" отличался от предыдущих работ тем, что на нем впервые присутствовал вокал Сатриани (там же он впервые сыграл на губной гармонике и на банджо). Альбом продавался хорошо, а дополнительным шагом к успеху стало включение композиции "One Big Rush" в саундтрек к фильму Кэмерона Кроу "Say Anything". В начале 90-х Джо открыл собственную линию гитар для компании "Ibanez". Этот бизнес несколько отвлек его от студийной работы, но все же в 1992-м Сатриани вернулся к чисто инструментальному року с опусом "The Extremist", ставшим наиболее успешным в его дискографии (как по отзывам, так и по продажам).

На следующий год помимо сборника медляков "The Beautiful Guitar" Джо выпустил двойник "Time Machine", куда вошли новые треки, концертные номера и композиции с самого первого EP. В 1994-м Сатч выручил легендарных "Deep Purple " и вместо сбежавшего Блэкмора отыграл с ними японское турне.

Ему даже сделали предложение остаться в группе на постоянку, но гитарист ответил отказом, предпочтя продолжение сольной карьеры. Во второй половине 90-х Сатриани выпустил еще два альбома, тяготеющий к расслабленному блюзу "Joe Satriani" и энергично-хардовый "Crystal Planet", а также вместе со Стивом Ваем организовал проект "G3". В 2000 Джо выдал свое самое смелое творение, базирующийся на электронике "Engines Of Creation". И хотя этот техно-альбом был номинирован на "Grammy", на следующих релизах Сатриани вернулся к более привычному для него стилю. Разменяв нулевые зальником "Live In San Francisco" и номерным студийником "Strange Beautiful Music", музыкант подвел некоторую черту в своем творчестве двухдисковой антологией "The Electric Joe Satriani". На протяжении всей декады Джо исправно, с двухлетним интервалом поставлял на рынок свежие сольники, а в 2008-м его обнаружили в компании Сэмми Хагара , Майкла Энтони и Чеда Смита в проекте "Chickenfoot".

В конце того же года Сатриани подал в суд на "Coldplay " из-за того что бритпопперы якобы слямзили у него идеи "If I Could Fly" для своего хита "Viva La Vida". Претензии гитариста официально не были признаны, и дело спустили на тормозах. Впрочем музыкант и сам был не против чего-нибудь позаимствовать у других, и например на его альбомах "Black Swans And Wormhole Wizards" и "Unstoppable Momentum" то тут, то там проглядывало влияние жареного буги "ZZ Top ".

Его отношения с гитарой напоминают страстный роман длиной в целую жизнь. "Мне хотелось бы играть до конца своих дней, - откровенничает Сатриани. - Надеюсь, я никогда не устану от этого и всегда сумею превратить в музыку все, что переживаю и чувствую в реальной жизни. Надеюсь, гитара всегда будет со мной рядом".

Джо Сатриани вырос в небольшом городке Карл Плейс. Наверное, не было в 60-е годы подростка, увлекавшегося рок-музыкой, который остался бы равнодушным к феерическим выступления гитарной легенды Джими Хендрикса (Jimi Hendrix). Хендрикс настолько поразил воображение 14-летнего Сатриани, что заставил его забыть о барабанах, которые он уже начал осваивать, и поменять их на гитару. Казалось, он просто рожден для этого инструмента. Обучение продвигалось быстрыми темпами, а вскоре он уже настолько ловко управлялся со своей шестистрункой, что мог кое-чему научить других. Его первыми подопечными были учащиеся той же школы, которую посещал сам "мэтр". Среди них оказался и невероятно одаренный мальчик - Стив Вай (Steve Vai), будущая звезда гитарной сцены. Учительствовать, как признавался Джо позднее, он начал только потому, что ему нужны были деньги. Ему приходилось подрабатывать и садовником, и каменщиком, и продавцом готовой одежды. Но удовольствие он получал только от занятий с учениками, тем более что кроме музыки никакого другого поприща для себя он не представлял.

Вскоре по окончании школы Сатриани переехал в Сан-Франциско. Продолжая совершенствовать технику игры и найдя немало желающих воспользоваться его талантами в качестве бэк-музыканта, Джо Сатриани не был обделен и учениками. Около десяти лет, подрабатывая в музыкальном магазине, он постоянно занимался с начинающими гитаристами. Через его умелые руки прошли такие достойные внимание персонажи рок-коммуны, как Кирк Хаммет (Kirk Hammett - Metallica), Ларри Лалонд (Larry LaLonde - Primus), Дэвид Брайсон (David Bryson - Counting Crows), мастер джаз-фьюжена Чарли Хантер (Charlie Hunter). Уже один подобный список учеников превращал Сатриани в легендарную фигуру на гитарной сцене.

За весь сан-францисский период Сатриани почти никогда не оставался вне той или иной рок-команды. Наиболее живучим начинанием оказалась группа The Squares, в которой играл барабанщик Джефф Кампителли (Jeff Campitelli). Он окажется самым верным спутником Сатриани и проведет с ним бок о бок не один десяток лет.

В начале 80-х Джо Сатриани находит пристанище в бэк-группе известного исполнителя Грега Кина (Greg Kihn). Он участвует в студийных сессиях музыканта, проводит с ним концертные туры. Сохранившиеся материалы этого периода были обнародованы только в 1996 году на альбоме "King Biscuit Flower Hour".

В начале 80-х Сатриани начал подумывать и о полностью самостоятельной карьере. В 1984 году он записал дебютный ЕР "Joe Satriani", который готовил и публиковал за свой счет. При полном отсутствии рекламы неудивительно, что релиз не привлек ничьего внимания. Ситуация изменилась в 1986 году, когда один из лучших учеников Сатриани, Стив Вай, благодаря успешной работе в команде Дэвида Ли Рота (David Lee Roth) попал в поле зрения СМИ и в одночасье превратился в модного гитариста. В интервью для ведущих американских изданий Вай неоднократно в самых теплых тонах отзывался о своем замечательном учителе и хорошем приятеле Джо Сатриани. В гитарных кругах фигура Сатриани начала вызывать широкий интерес.

Эта незапланированная промо-кампания удачно совпала с выходом его сольного дебютного альбома "Not of this Earth" в том же 1986 году. Разумеется, откликов на эту пластинку было несравнимо больше, чем на первый мини-диск. Во всяком случае, коллег-гитаристов она не оставила равнодушными.

Но это были цветочки. Ягодки еще только созревали. В 1987 году Сатриани предстал во всем блеске, выпустив второй лонг-плей "Surfing With the Alien". Казалось, на публику в одночасье снизошло озарение, и буквально за несколько дней Джо Сатриани превратился из скромного музыканта в одного из топ-гитаристов современности. "Surfing With the Alien" только в Штатах разошелся полумиллионным тиражом, финишировав на 29 строке поп-чарта. Это был первый инструментальный гитарный альбом, которому удалось покорить Тор 30 рейтинга Billboard 200. Подводя итоги 87-го года, самые солидные гитарные издания мира ставили имя Сатриани на первую строку в списках лучших из лучших. Наращиванию фановской гвардии очень поспособствовало приглашение Мика Джаггера (Mick Jagger) сопровождать его в туре по Австралии и Японии.

Лучшие дня

Годом позже гитарист издал ЕР "Dreaming #11", объединивший студийные композиции и живые треки. А еще через год появился третий лонг-плей "Flying in a Blue Dream" (1989). Крепкий альбом, снабженный мастерскими гитарными соло, приоткрыл Сатриани с новой стороны - как вокалиста. Правда, петь он решился только в нескольких треках. Музыкальная общественность очень хорошо приняла альбом, интерес к которому еще больше усилился после того, как песня "One Big Rush" попала на саундтрек к очень популярному фильму режиссера Камерона Кроу (Cameron Crow) "Say Anything". В поп-чартах синглы Сатриани никогда не производили фурора, зато в рейтингах мейнстрим-рока им везло гораздо больше. Так, трек "One Big Rush" отметился под # 17, а сингл "The Crush of Love" поднялся на 6 строку рок-чарта.

На стыке 80-х и 90-х музыкант заразился новой для себя идеей - создать собственную гитару. Совместно с компанией Ibanez он разработал модель JS (Joe Satriani).

Работа над новым материалом продвигалась медленно, и новый диск увидел свет только в 1992 году. Он получил название "The Extremist" и показал лучший результат в американских чартах за всю карьеру музыканта - #22 по данным Billboard 200. Наибольший успех ожидал и композицию "Summer Song", которая вошла в первую пятерку рок-хитов. Спустя год в дискографии музыканта появился двойной альбом "Time Machine": новые композиции, концертные записи плюс почти неизвестный дебютный ЕР "Joe Satriani".

В 1994 году рокеры Deep Purple пригласили Сатриани занять на время гастролей место недавно ушедшего лид-гитариста Ричи Блэкмора (Ritchie Blackmore). Игра Сатриани не вызывала ни малейших нареканий, так что музыканты Deep Purple предложили ему стать полноправным участником команды. Но у Сатриани были другие планы, и даже очень амбициозные.

После лонг-плея 1995 года "Joe Satriani" музыкант принялся за осуществление перспективного гитарного проекта, получившего название G3 - предполагалось, что в нем будут участвовать три ярких и самобытных гитариста. "Я заметил, что мы со Стивом (Ваем) никогда не приезжаем одновременно в один город, менеджеры не допускают этого, как будто мы обязаны конкурировать друг с другом. А ведь гитаристы очень любят просто встречаться и джемовать вместе, но такой случай выпадает крайне редко, - рассказывал Джо Сатриани. - Вот я и решил организовать что-то вроде гитарного фестиваля". Найдя полное понимание и поддержку у Стива Вая, в 1996 году Сатриани отправился вместе с ним и Эриком Джонсоном (Eric Johnson) в первый гастрольный тур G3. Концерты проходили с большим успехом. "Фестиваль" G3 из разового мероприятия перерос в ежегодный шоу-марафон с обязательным участием Сатриани и Вая, к которым каждый раз присоединялся новый гитарист. С 96 по 2003 годы на одну сцену с Сатриани выходили Майкл Шенкер (Michael Schenker) и Ули Джон Рот (Uli Jon Roth), Адриан Легг (Adrian Legg) и Кенни Уэйн Шеперд (Kenny Wayne Shepherd), Роберт Фрипп (Robert Fripp) и Джон Петруччи (John Petrucci) из группы Dream Theater.

В 1997 году появился аудиоотчет о первом турне "G3: Live in Concert". Хотя диску не удалось даже прорваться в первую сотню поп-чарта, его тираж со временем превысил миллион экземпляров.

В 1998 году был готов очередной студийный диск Сатриани "Crystal Planet" (Тор 50 США), после чего продолжились путешествия трех гитаристов по Соединенным Штатам.

В 2000 году музыкант обнародовал самый смелый релиз в своей карьере "Engines of Creation", густо замешанный на электронике. Это был очередной виток его музыкальной биографии, которая и до этого однообразием не отличалась. Сатриани никогда не ограничивал себя рамками чистого блюза, рока или тяжелого металла, ему в равной мере было интересно испытывать на прочность поп-музыку и джаз, а теперь вот пришла очередь электронных стилей. Альбом "Engines of Creation", как и почти все его предшественники, номинировался на Grammy (всего за свою двадцатилетнюю карьеру гитарист становился соискателем Grammy 13 раз, правда, ни разу не побеждал).

За ним последовал живой альбом "Live in San Francisco" (2001), который получил золотой сертификат. А результаты новых студийных изысканий были представлены публике в 2002 году под названием "Strange Beautiful Music".

Кроме собственного творчества у Сатриани всегда была возможность играть в других коллективах, благо недостатка в приглашениях он не испытывал. Правда, неизменно их отклонял, зато никогда не отказывался помочь в студийных сессиях. Его гитаре нашлось применение на альбомах "Hey Stoopid" Элиса Купера (Alice Cooper), "Radio Free Albemuth" Стюарта Хэмма (Stuart Hamm), "All Sides Now" Пэта Мартино (Pat Martino), "Break Like the Wind" Spinal Tap. Мало того, он успел и провести несколько туров со своими студийными подопечными, включая Купера и группу Spinal Tap.

В 2004 году музыкант подготовил студийный диск "Is There Love in Space?". Хотя его коммерческие показатели оставляют желать лучшего, авторитет Джо Сатриани от этого уже никак не пострадает. Тем более что фанов ожидал еще один сюрприз - Сатриани предстал в не совсем привычном амплуа. "Люди уже слышали, как я играю блюз, металл и техно, - объясняет гитарист. - А на этом альбоме я играю рок". В двух композициях вокальные партии он исполнил сам, чего не делал уже 15 лет. В студийных сессиях музыканта поддерживала надежная команда, с которой он работает в студии и на гастролях уже не первый год: неизменный барабанщик Джефф Кампителли, бас-гитарист Мэтт Биссонетт (Matt Bissonette), клавишник и гитарист Эрик Кодье (Eric Caudieux).

В 2005 году выходит DVD «G3 - Live In Tokyo». Выступление G3 в Японии, в котором вместе с Джо Сатриани и Стивом Ваем выступил Джон Петруччи (John Petrucci).

В начале 2006 года Джо выпускает очередной студийный альбом «Super Colossal». После записи этого альбома Сатриани вместе со своей обновленной командой (вместо ушедшего Мэтта Биссонета к Джо присоединился басист Дэйв Лару) отправляется в мировой тур в поддержку нового альбома. Россия не вошла в список стран, где Сатриани давал концерты.

31 октября 2006 года выходит двойной DVD/CD «Satriani LIVE!» - на видео представлен концерт с тура Super Colossal. Помимо самого концерта на диске можно найти все возможные бонусы в виде фотографий, различных видео, а также концерта Joe Satriani India Tour.

В декабре 2007 года Джо был опять номинирован на премию Grammy за концертное исполнение своей композиции «Always With Me, Always With You».

В этом же году переиздаётся альбом «Surfing With The Alien (Legacy Edition)», в котором были по-новому обработаны и записаны все треки альбома 1987 года.

В марте 2008 года выходит новый студийный альбом Joe Satriani - «Professor Satchafunkilus and the Musterion of Rock», после чего Джо отправляется в мировой тур.

8 июня 2008 года в рамках мирового тура Joe Satriani и его группа выступили в Москве. На разогреве у маэстро сыграл гитарист Дмитрий Четвергов.

В 2009 году вышел дебютный альбом группы Chickenfoot.

2 февраля 2010 вышел новый DVD/CD «Live In Paris: I Just Wanna Rock!», записанный в марте 2008 в ходе тура «PROFESSOR SATCHAFUNKILUS TOUR». Также в 2010 году прошёл тур 2009 EXPERIENCE HENDRIX, в котором Джо Сатриани принимал участие.

Четырнадцатый студийный альбом, озаглавленный Black Swans And Wormhole Wizards поступил в продажу в США 5 октября и на один день раньше в остальном мире. Альбом вышел на лейбле Epic Records.

Гитарный гений
Vander_Bit 06.09.2007 01:05:27

Я сам люблю играть на гитаре конешно не профессионально, я считаю что для души. Хотелось бы знать что чуствует человек который написал на мой взгляд 50 хитов, в каждом 100%е - (4-5) вещей просто бомба. Уважение беспридельное к человеку который творит историю. Люблю, уважаю, и жду нового концерта как и все предыдущие. Все гитаристы мира не равнодушны к этому человеку, спасибо за то что он есть.

Joe Satriani
Lexus 04.01.2008 01:09:54

Знаете, просмотрев всего лишь один коцерт Джо Сатриани, также с участием Стива Вэя и Эрика Джонсона, я увидел в самом гитаристе и в его игре что - то особенное, отличительное..может быть в силу нехватки опыта в прослушивании знаменитых рок - исполнителей, я даю оценку не достаточно обьективно, но у Сатриани выработался свой особенны стиль...в нем есть и рок, и металл и джаз...он нашел ту середину, которая заставляет слушать его особенноо...и его игра вдохновляет играть меня, стремиться, совершенствоваться, мне понравилось даже придумывать чисто инструментальные композиции, т.е. выражаться чисто музыкой на гитаре...а это мне оказалось ближе, и вообще это очень помогает гитаристам, видящим в гитаре не только как хобби...на таких людей, как Сатриани стоит смотреть и учиться у них...такие как он показывают нам, что значит свобода творчества, свобода музыкальной мысли!!!